Luana Baldrighi

Riflessi del bello 

Il titolo della collettiva organizzata dall’Area Giovani Amici dell’Arte ha un certo sapore estetico.

Il bello è una categoria estetica relativa, una tra le tante, legata alle mode ed alle culture, soprattutto è ricca di accezioni positive; per questo è stata scelta come argomento della mostra.

Non mi dilungherò in speculazioni sul Bello (già ampiamente esposte in qualsiasi manuale di estetica) perché, in questo contesto, il bello è quello elaborato e riproposto dall’artista: il bello nella natura, nella figura umana o animale, il bello quotidiano e, addirittura, il paradosso del bello, è meditato e mediato attraverso le opere esposte. Il lavoro artistico diviene così il mezzo, lo specchio con cui il fruitore può rapportarsi ad una realtà interiorizzata e rielaborata che crea un’intima comunione con l’artista.

La questione del Bello colpisce per la varietà dei suoi aspetti. Se volessimo ridurla, potremmo dire genericamente che il bello individua un ambito di positività, anche se la sua estrema ricerca può degenerare nell’effetto contrario.

 Riflessi del Bello non è stato solamente un momento di mera fruizione artistica, senza domande e secondi fini, perchè si sono toccate le corde dell’inconscio, degli affetti e tematiche sociali.

Una profonda riflessione estetica, legata alle teorie sul brutto di Rosenkranz, è alla base della serie Desrtoying beauty di Monia Sogni. L’artista si presenta con incisioni di forte impatto emotivo, dove la figura è deformata attraverso un segno incisivo e drammaticamente espressionista.

La sua opera rivela una volontà esasperata di comunicazione che si avvale del colore, della linea e di una continua ricerca tecnica. Come in Alberto Giacometti o in Francis Bacon, la figura umana è deformata e definita con un segno dinamico e continuo che diventa il tramite di una profonda escavazione psicologica. Colori e linee irrequiete rimandano a certe opere dell’argentino José Munoz.

Sogni vuole allontanarsi dall’identificazione dell'arte con una presunta ricerca del bello assoluto, legata all'idea meschina e riduttiva che al bello esteriore corrisponda a quello interiore.

Particolarmente drammatiche sono le opere in rosso e nero, maggior quiete si percepisce in quelle sull’azzurro.

Elena Montanari gioca con luminosi notturni fotografici aventi diverse locations, ma un unico tema: il lago con i suoi colori e i suoi riflessi all’imbrunire. In particolare, in Riflessi dal lago la linea dell’orizzonte è delineata dalle luci notturne della costa che si rispecchiano nelle scure acque lacustri. Dalla serie si distingue Granchio, una ripresa ricca di colori pastello del fondale marino abruzzese. Anche qui Monatanari ha giocato con il titolo della mostra enfatizzando i riflessi delle onde in superficie in contrasto con il rosa delle piante marine ed il nero delle piccole cozze ancora non del tutto formate.

Forma e colore prendono consistenza attraverso l’obiettivo; due Fotografie talmente naturalistiche da rasentare la finzione. Le opere esposte da  Isabella Zermani Anguissola avvicinano talmente lo spettatore agli elementi naturali tanto da estraniarli dal loro contesto, trasformandoli in pura visione estetica.   

Nella serie Orchidea di Veruska Lusardi troviamo oggetti come il pizzo e materiali inediti fagocitati dal colore della tecnica mista. Reminiscenze torinesi per il soggetto di Luglio, dove non rinuncia alla sua vertiginosa verticalità. L’ espressività dell’artista si tramuta in quiete in Japan: silenzioso, dolce e poetico omaggio alla nazione che ha da poco subito l’immane triplice tragedia del terremoto,  dello tsunami e della devastazione radioattiva.Con questi accostamenti Lusardi dimostra di essere un’artista istintiva ed eclettica che padroneggia le più diverse espressioni stilistiche.

Passione e sensualità, ma anche quiete e armonia, sembra un paradosso, ma è ciò che trasmette l’opera di Sara Taina. Permeata da una creatività audace ed eccentrica, la sua arte esprime forza e vitalità nei ritratti, resi ancor più interessanti da un sapiente uso della luce, talvolta decisa ed energica; altre soffusa, avvolgente e armoniosa. I volti si rapportano con lo spettatore trasmettendo un forte ideale estetico. E’ il segno grafico preciso che domina e delinea le masse corporee; una traccia supportata da rapporti cromatici incisivi seppur non invadenti.Un linguaggio, quello di Taina, maturato nella predilezione per l’arte greca per transitare da Caravaggio a Bernini, giungendo a Canova ed Hayez: artisti culturalmente ed ideologicamente diversi, ma accomunati dall’amore quasi carnale per la figura umana, sempre modellata con rigoroso ideale estetico. Le opere permeate da riflessi autobiografici, alludono alla bellezza della condivisione del tempo. L’atmosfera sospesa sembra voler fermare il suo inesorabile scorrere in un attimo di pura felicità.

Luana Baldrighi presenta una serie di opere che vanno dalla pura rappresentazione estetica alla denuncia sociale. Opera di forte impatto emotivo, Don’t hurt me again è descritta dalla stessa pittrice: “(…) ho voluto raffigurare  lo strazio delle lesioni emotive che lascia un rapporto insano. Lo spettatore gode del punto di vista offerto a chi infligge dolore (…). Questa posizione è stata scelta affinché conduca l’osservatore a domandarsi come un essere umano possa dimostrarsi tanto insensibile  da impartire sofferenze a chi gli vive accanto (…)”. Il punto di vista dello spettatore è però mediato dall’opera stessa che, come nelle altre della Baldrighi, riflette un naturalismo estetico portato all’estremo, tanto da creare un’atmosfera sospesa che ci salva dalla bruttura della violenza. Atmosfera metafisica che ritroviamo nel gruppo di vasi dal sapore moradiano e che, al contrario, si ritira per lasciare spazio alle bellezze della natura in Domato dal mare, che riprende la serie marina iniziata nell’esposizione I quattro elementi, e in Lago dove la natura della montagna è rappresentata in tutta la sua maestosità.

Paola Pacella espone una fotografia in bianco e nero. Di piccolo formato, l’’immagine esprime grande atmosfera. Come ha spiegato l’artista, la foto è stata scattata dal quinto piano inquadrando parte del monumento ai caduti della piazza di Pontenure.

Le linee rette del monumento unite simbolicamente dai riflessi dell’acqua a quelle curve della vasca, aventi una valenza statica sono messe coscientemente in contrapposizione al movimento in corsa della bambina. Il titolo è chiarito dalla stessa artista: “L’ho intitolata Dream perchè la bambina che corre può dare l'impressione di una figura da sogno…”.

Sfondo nero per una rosa bianca e penombra che definisce la figura umana per la tela di Martina Michelotti che, nonostante la giovanissima età, dimostra di avere un intenso senso drammatico e padronanza di disegno e tecnica.

Bianco e nero. Due soli colori  illustrano l’opera dal sapore fumettistico di Luana Motisi. Sarà che Bilbolbul, il festival internazionale del fumetto che si tiene ogni marzo a Bologna, si è appena concluso; sarà che il fumetto è ormai considerato un’arte, un linguaggio comune che si è elevato a status di comunicatore non  solo di racconti e storie, ma anche di stati d’animo (c’è chi lo chiama la nona arte), ma nel Cacciatore di anime appare evidente l’antica e secolare dicotomia tra bellezza e male. Una bellezza sensuale che attrae pericolosamente. Aleggia un’atmosfera dandy che fa pensare al personaggio  bello e dannato  per eccellenza: Dorian Gray che si accorse troppo tardi di come le due cose coincidevano pericolosamente.

Barbara Latimbri