Sansonna Anna

Artista ironico che racconta la vita attraverso animali simbolici.
Da anni presente sulla scena internazionale.
Vive e lavora a Vittorio Veneto (TV) in mezzo ai boschi.

Franco Anselmi è un artista che ha due doti: la preziosità della stesura del colore e la vena ludica che suscita giocosità e divertimento. La stesura del colore non è qui un gesto qualsiasi , ma il risultato di una istintualità preveggente, di una capacità di progettazione che lascia tuttavia libera la mano all’estro del momento.
Troppo spesso l’arte contemporanea giustifica la sua ragione di esistere lanciando messaggi impegnati.
Franco Anselmi , al contrario, ci comunica la giocosa serietà dell’infanzia con la sua capacità di evocare immagini dalle fiabe e di dare concretezza ai sogni.
Anselmi è un pittore che si distingue sulla scena contemporanea per il coraggio che dimostra nel respingere la tentazione di fare filosofia o sociologia , come troppi suoi colleghi. I suoi quadri ci conducono nel mondo degli animali, spassosi gatti guerrieri, o mici monocoli un po’ sbronzi davanti ad una bottiglia in cui annegano chissà quale dolore , civette e gufi ilari e inoffensivi. Il divertente zoo di Franco Anselmi è anche un palcoscenico di animali grossi ma non grossolani, pensiamo agli elefanti a cui fanno da contrappunto i cavalli che sembrano un po’ matti. Il suo universo è popolato anche di giocolieri baffuti, in stile anni trenta , di signore incappellate e persino di Madonne con bambino che si intrecciano in un immaginario pseudo-cubista . Anselmi è un poeta del quotidiano che guarda il mondo che lo circonda riscrivendolo poeticamente, come se fosse la visione di chi per la prima volta riepiloga dentro di se l’alfabeto della vita.
Che siano animali o giocolieri in un paesaggio impossibile egli riesce a trascinarci per mano e con garbo in un mondo bidimensionale e coloratissimo. La caratteristica comune nelle raffigurazioni umane e animali di questo artista è il fatto di avere quasi sempre un occhio solo; la semicecità è risparmiata solo ai gufi forse perché nottambuli e quindi più prossimi al mondo onirico. Per gli altri, donne, uomini, cavalli, gatti, tartarughe e iguana, quell’occhio solo è un ammiccamento gentile e forse lo specchio della nostra stessa incapacità di distinguere il vero dal falso. Il mondo di Anselmi è un mondo arcano e arcaico che ha il potere di incantarci, nei suoi piccoli borghi medioevali, silenziosi e metafisici, la fiaba si intreccia alla storia .
In altri casi sono addirittura rievocati gli stilemi dell’antico Egitto e della simbologia azteca. Queste figure in particolare evocano i reperti archeologici e da tutto questo Franco Anselmi riesce, senza traumi, ad assemblare e creare una scenografia di insieme vivace ed esplosiva. Le sue opere si sviluppano su una voluta mancanza di profondità. Avendo evidentemente approfondito l’arte medioevale non prospettica , nella sua ricerca si rintraccia – al di là della evidente ironia che irrompe dalle sue composizioni, come una sorta di avvertimento a non prenderlo troppo sul serio- una precisa rivisitazione delle stesure grottesche e una cultura molto ben radicata nella tradizione italiana pre-rinascimentale dell’affresco. In particolare il ricordo dell’arte bizantina sembra aver impresso alle immagini di Anselmi una sorta di blocco, che congela la gestualità delle figure rappresentate. Artista indubbiamente colto, direi che egli ha anche compiuto incursioni nell’arte del lontano Oriente, da cui derivano certi suoi modi grafici e calligrafici. Nel suo horror vacui, che lo porta a non lasciare neanche il minimo spazio libero sulla superficie affrescata delle sue opere, nello spessore del colore squillante troviamo la personalità intrigante di un artista di forte manualità e di notevole intelligenza.

Vittorio Sgarbi

Tratto da "Le scelte di Sgarbi"
2005, Edizioni Mondatori
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Analisi di un artista versatile e provocatorio
A cura di Alfonso Vallini Morra


«Come persona l’artista può avere capricci, umori e mire sue proprie, ma
come artista è nel senso più alto: uomo, uomo collettivo, portatore e
rappresentante della vita psichica inconscia dell’umanità. Questo è il suo
“officium”, il cui peso è spesso così preponderante che gli vengono fatalmente
sacrificate la felicità personale e tutto ciò che di solito rende all’uomo
comune la vita degna di essere vissuta.... La sua vita è necessariamente piena
di conflitti, poiché due potenze si combattono in lui: l’uomo comune con le sue
giustificate pretese alla felicità, soddisfazione e sicurezza vitale, da una
parte, e la passione creativa, intransigente, dall’altra, che calpesta
all’occasione tutti i desideri personali. Ecco perché il destino personale di
tanti artisti è così insoddisfacente, anzi tragico: non per volontà di un fato
oscuro, ma per l’inferiorità o l’insufficiente capacità di adattamento della
loro personalità umana. Raramente si dà il caso di un artista che non debba
pagare cara la scintilla divina che è in lui.» Carl Gustav Jung.

L’espressione artistica si traduce sempre in atti concreti, in gesti che
scoprono e rappresentano gli aspetti profondi dell’essenza umana. Essa rende
alla coscienza gli elementi inconsci della personalità dando a questi ordine e
spiritualità.

L’arte è una sorta di forza sensuale che si ripiega su se stessa ed
esprimendosi diviene armonia creativa. Genera il mito ed in esso si realizza
sul caos dell’inconscio. Nel mito razionalizzato attraverso un’azione
ordinatrice si palesano gli aspetti arcani della passione creativa nella cui
fusione ermafroditica, feconda, autofertilizzante si identifica la globalità
dell'universo. Il “TUTTO” che è contemporaneamente maschio e femmina, luce ed ombra,
positivo e negativo, sublime ed abietto. La funzione dell’arte è di
rappresentare questa realtà duplice e contraddittoria in cui si riuniscono
coscienza ed incoscienza, saggezza ed ingenuità della naturalità umana. Fare
arte significa inglobare nella coscienza forme fluttuanti e sparse dando loro
struttura e significato. L’artefice di quest’azione sa per grazia e dannazione
che il suo gesto non conosce ripensamenti perchè rappresenta la libertà di
proporre, in un tempo in cui l’immaginario è sempre in fuga, l’abitare visivo
del mondo attraverso la dinamicità dell’apparenza artistica. Per questo
nell’artista si fondono tutti gli aspetti della realtà umana.

A questa categoria di uomini appartiene Giuseppe Sebastiano Devoti. Nato a
Torino nel 1941 Laureato in Architettura al Politecnico di questa città.
Titolare negli anni ‘60 della cattedra di Figura e Decorazione Presso il Liceo
Artistico “Giotto” di Torino.

Fonda il Puraismo, che si propone un’espressività libera, fantastica, anarchica
affrancata da ogni razionalismo stilistico. Attualmente usa una tecnica
pittorica assolutamente nuova e particolare; tecnica mista in cui più materiali
vengono utilizzati per raggiungere il forte impatto evocativo del prodotto
finito.

L’accorpamento dei colori: smalti sintetici, acrilici e stucchi nuance viene
ottenuto su una preparazione che potremmo definire estensione dell’encausto,
tecnica antichissima già usata nelle pitture parietali Pompeiane. Questo
procedimento fissa i colori al supporto mediante il calore.

Devoti estende questa tecnica dandole un’ulteriore funzione, quella di ottenere
un effetto pittorico nuovo ed inquietante. Le marezzature che i dipinti
presentano sono ottenute per bollitura del colore a temperature prossime ai 400
gradi centigradi.

Sulle basi ottenute ad encausto vengono aggiunti gli altri materiali che creano
l’insieme pittorico. Queste aggiunte sono distribuite con la gestualità
dell’action painting, quindi anch’esse trattate a caldo e lavorate con bulini
di bamboo. Completa la tecnica piuttosto complessa l’uso di un particolare
stucco, inventato dall’artista, che dà materialità alla composizione.

Analizzando le sue opere si ha l’impressione di stare di fronte ad una
personalità variegata ed indefinibile alla continua ricerca di una precisazione
stilistica. Questa impressione (che nasce dall’irrequietudine del personaggio)
è erronea, infatti un’attenta analisi della sua produzione individua una
coerenza tecnico-formale comune a tutto il suo percorso artistico. La sottile
ansia presente nei suoi quadri rappresenta lo scetticismo che egli ha della
vita. Nella sua arte Devoti mostra la consapevolezza che nella nostra società
l’utopia artistica è frammentata in singole azioni spesso tra loro incoerenti.
Piuttosto ciò che è mancato al nostro artista è la continuità operativa; che ha
penalizzato la sua produzione pittorica per quasi 25 anni. Questa interruzione
nasce da contingenze professionali, ma soprattutto da una spiccata insofferenza
a limitare la sua attività ad un solo aspetto produttivo. Questo aspetto
caratteriale lo ha sempre posto in contrapposizione prima con se stesso e poi
con gli altri. Nel quarto di secolo in cui ha ridotto l’attività pittorica ha
spostato i suoi interessi artistici sulla produzione di materiale didattico per
l’istituto scolastico di cui era dirigente: sculture in bronzo da lui fuse,
terraglie cotte con metodi primitivi e disegni ad inchiostro. Questa fase è
stata comunque importante perché si è realizzata in un particolare spazio di
ricerca. La sperimentazione di tecniche d’uso, nuove e spregiudicate con
inchiostri e resine viniliche, gli ha reso familiare il successivo utilizzo del
“dripping”.

L’originalità del gesto pittorico sta nel fatto che tanto l’artista quanto
l’osservatore possono, in una situazione particolare e privilegiata seguire
l’atto del dipingere alla maniera di chi ascolta la musica. Le opere
caratterizzate da attenzione per il gesto producono, al di là della
verbalizzazione delle reazioni emotive, un coinvolgimento introspettivo.
Concentrandosi sul modo in cui l’artista esprime la sua parte interiore, si va
oltre la pura sensazione visiva legata al soggetto del quadro.

Mediante questo modo di entrare in relazione con l’opera, Devoti, cerca
disperatamente di farci vedere ciò che nell’arte non è rappresentabile. Per
dirla con Hegel di rendere “presente la presenza” di ciò che è nascosto
nell’inconscio. L’artista operando mediante una fittizia incapacità
d’identificare il reale, ricostruisce l’essenza emozionale del mondo
recuperando con la riflessione pittorica ciò che l'immediatezza della vista non
può dare.

Nel 2006 fondando il “Puraismo” ha semplicemente voluto (in un momento in cui
l’urgenza di riprendere a dipingere diveniva una necessità esistenziale
inalienabile) mettere ordine nella sua storia personale e potendo condividere
con alcuni amici ciò che la sua esperienza umana ed artistica aveva maturato,
ha definito gli aspetti formali del suo progetto artistico.

Nel rapporto quadro-sguardo, cerca di creare una metafisica del vedere il mondo
prima di ogni piglio, anche del suo. Devoti propone un archetipo di realtà
reinventata, quello aurorale del sogno. Visione onirica del mito cosmogonico
dell’universo prima che l'uomo lo fagocitasse integrandolo ai propri desideri e
bisogni.

Il suo credo emerge dall’analisi del Manifesto Puraista in cui afferma:

….”La trattazione del colore sia un fatto formale caratterizzante il rapporto
magico che l’artista intrattiene con la materia della sua espressività,
l’elemento stilistico che identifica un’operatività mediata attraverso un vero
patos emozionale”….”L’opera nasca dall’analisi delle apparenze, rinunciando
all’interpretazione ottica del mondo”….” Lasciamo che le cose penetrino in noi
e c’invadano”…. “Occorre riproporre una pura visione soggettiva, dipingere una
materia che prenda forma, in modo quasi spontaneo e primordiale, sotto le
nostre mani”….. “che la nostra pittura risulti come un coacervo originario di
tutto ciò che sarà”..…”dobbiamo saper evocare lo sforzo demiurgico di ritornare
alla percezione vergine delle origini, quella non filtrata da sguardi che
giudicano, accolgono o rigettano”.

Nelle ultime opere si può ritrovare la cosciente e coerente applicazione di
queste idee e nello stesso tempo scoprire continuità stilistiche che risalgono
agli anni ‘60.
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Per visionare le Opere del pittore Devoti G. clicca qui www.gestus.tk

CURRICULUM

Born in Albania in 1965.

1982-1986 School of Fine Arts (Albania)
1986-1990 University of Fine Arts (Albania)

1990 personal exhibition in Tirana (Albania)
1992-1994 three personal exhibitions in Landsberg (Germany)
1995-2003 several personal exhibitions in Tirana and Fieri (Albania)
2003 personal exhibition in Bari (Italy)
From 2004 the painter is living and painting in Palm of Majorca (Spain).
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To view the paintings of Meta A. click here www.gestus.tk

PRESENTAZIONE CRITICA DI NEGRI ANTONELLO
I lavori di Santelli degli ultimi dieci anni sono riconducibili a
un'area di figurazione che si direbbe nuovamente vitale dopo esser
stata messa tra parentesi a lungo, a vantaggio di operazioni esclusivamente
o più marcatamente mentali, soprattutto in Italia. Il pensiero,
nel suo caso, passa attraverso una forma di comunicazione artistica
tradizionale, quella della grafica, virtuosisticamente applicata al
più elementare supporto al quale ricorre il disegnatore-pittore
(ancorchè qui stropicciato, con un'allusione visivamente molto
efficace all'idea di consumo, o consunzione). Uno dei temi che attraversano il lavoro di Santelli,
quello della "carne e ferro", nasce negli anni della Nuova
oggettività tedesca, quando uomini e macchine cominciavano
a mostrare sinistri incroci; lo stesso tema, sempre in Germania, è
stato ripreso e sviluppato negli anni Sessanta, in modo particolare
a Berlino. Credo si debba guardare in tale direzione per dare al lavoro
di Santelli delle coordinate storiche e di tendenza. Come in tante
opere di artisti di quell'ambito, gran parte dei suoi personaggi sono
circondati da macchine, in ambienti di produzione sia arcaici (Hai
sistemato i bicchieri?), sia tecnologicamente avanzati (Spari tu o
sparo io?). Ma appare evidente che anche interni domestici (Aspirante
parricida), ambientazioni rurali (Raptus) e non luoghi (Graziato,
Senza Pietà) sono soltanto avanzi di meccanico-virtuali comunicatività
(o, ovviamente, non comunicatività). Nei disegni grandi la
"macchina" è un basso continuo che si sente anche
quando non si vede; e dà il ritmo. Ma il filo conduttore
dell'opera di Santelli è la mancanza di ritmo. I personaggi
che ritrae non stanno al ritmo; seguono invece la natura, la loro
natura, come M, il mostro di Düsseldorf del leggendario film
di Fritz Lang (siamo ancora in Germania, non a caso). Che cosa ci
può fare - si chiede nel film Peter Lorre - se la sua natura
è in conflitto con la buone maniere di tutti gli altri, con
le maniere dettate da ritmi che vanno bene a tutti ma non a lui? Non
può farci nulla; e meritare il codice a barre che gli compete.
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Per visionare le Opere del pittore Santelli A. clicca qui www.gestus.tk

Sito: http://www.beo.cc

Sito: http://www.artmajeur.com/giuseppebagattoni
L'artista presenta la sua arte:
"Uso l' espressione artistica come forma di libertà."

Rosa Maria Indelicato
Sito: http://www.atout.it/vetrirmindelicato.htm
L'artista presenta la sua arte:

PITTURA SU VETRO

ORODÈ
Sito: www.fragmentart.it
L'artista presenta la sua arte:

Tecnica del mio mosaico
La pratica del mosaico mi è sempre stata congeniale. L'enorme quantitá di tempo e di materiale a disposizione a Vincent City hanno permesso di confrontarmi con le varie tecniche musive della storia dell'Arte.
Il mosaico tradizionale si compone di tasselli molto piccoli e simili. Ho potuto ammirare i meravigliosi mosaici bizantini a Ravenna, quelli di Monreale (Palermo), gli altrettanto splendidi di Piazza Armerina e quelli di tante chiese italiane.
L'utilizzo della ceramica da parte di architetti come Gaudí e Hundertwasser invece, e le tendenze dell'Arte degli ultimi due secoli hanno gettato in me il seme del nuovo.
Presto ho cominciato a lavorare la ceramica anatomicamente, simbolicamente, cercando di utilizzare il minor numero di frammenti possibile nel comporre le mie figure. Questo comportava e comporta un atteggiamento religioso nei confronti di ogni singolo frammento e un'enorme quantitá di tempo e di attenzione nel realizzarli come voglio a mano e col solo uso delle tenaglie.
I miei mosaici sono ormai una commistione di tecniche e di materiali. Ceramica, legno, sassi e specchi si armonizzano in un mosaico fuso con opere di scultura e interventi di pittura.
Meravigliosi su muri sia interni che esterni anche di grandi dimensioni. O per decorare camini, scale, tavoli, oppure originali e bellissime opere su supporti di legno.
Il mosaico come ogni altra forma d'Arte è un linguaggio personale. La sua bellezza dipende dall'energia creativa dell'artista e di conseguenza dalle emozioni che provoca. Il mosaico è oggi considerato una forma d'Arte minore. E' l'ennesimo tabú, l'ennesimo pregiudizio. Una volta ho avuto una discussione con un pittore e professore dell'Accademia delle Belle Arti di Biella: il professore in questione considerava il mosaico inferiore alla pittura e alla scultura, e continuava a dire che…" Si tratta non di Arte ma di arte applicata". Credo sia abbastanza scontato dover giudicare un'opera dalla bellezza che ha e non dal genere in cui qualcuno l'ha catalogata.
Che importanza ha il mezzo se attraverso il mosaico riesco ad esprimere la mia anima?

La pittura è un arte che affascina persone di ogni provenienza ed ogni età.
Molti sono gli artisti anche se pochi sono coloro che hanno un vero e proprio talento naturale per la pittura.
Il grande problema di artisti di alto e medio livello è comunque lo stesso: riuscire a vendere i propri quadri.
Non è raro sentire pittori di ogni provenienza lamentarsi appunto di questo problema.
I tagli nell acquisto di opere d arte sono stati molti e gli artisti ne hanno risentito molto.
Chi volesse vendere i propri quandri dovrebbe cercare di organizzare mostre ed esposizioni.
I costi legati all organizzazione di mostre ed esposizioni in luoghi frequentati sono abbastanza dispendiosi; per questo motivo viene spesso consigliato a pittori che ancora devono farsi conoscere, e che per farlo hanno bisogno appunto di esibire i loro lavori, di organizzare mostre ed esposizioni insieme.
In questo modo i costi sono senza dubbio dimezzati e comunque i risultati che si possono ottenere sono buoni.
Innanzi tutto le mostre danno la garanzia di farsi conoscere e la possibilità che qualcuno decida di comprare una delle opere che ha avuto la possibiltà di ammirare.
Chiaramente un giovane artista non dovrebbe darsi per vinto se inizialmente non risuscirà a vendere i propri quadri, bisognerà avere pazienza perchè infondo anche i migliori artisti mai esistiti hanno dovuto aspettare molto tempo prima che i loro quadri venissero valutati in modo positivo e venduti con facilità.

(tratto da © Fotoexpo.net)