CINEFORUM BORGOI film, i personaggi e i commenti della stagione 2013/2014 |
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Post n°203 pubblicato il 05 Maggio 2014 da cineforumborgo
12 ANNI SCHIAVO Titolo originale: 12 Years a Slave Un film sulla schiavitù “12 anni schiavo”, con nove candidature all'Oscar, del resto l'identità postcoloniale è elemento centrale nell'opera di Steve McQueen. Insieme al corpo, carne, nervi scoperti, sangue, su cui l'artista inglese traccia, come in una cartografia di dolore e violenza, i passaggi della Storia. Era il corpo scarnificato l'arma e il luogo simbolico di resistenza agli inglesi dell'irlandese Bobby Sands in “Hunger”'. È ancora il corpo come macchina sessuale compulsiva - e mai desiderante - il segno di un contemporaneo malato in “Shame”. Ed è il corpo, la carne nera aperta dalle frustate su cui il rosso del sangue acceca con moltiplicata violenza, che ci racconta qui la sopraffazione di un uomo sull'altro. Disumana eppure replicabile. Sappiamo che la storia di Solomon Northup è ‘vera’, i titoli di coda ci dicono che dopo la liberazione, Solomon sarà un attivista per i diritti degli african americani fino alla morte. McQueen nella sua messinscena va oltre però l'esperienza reale, e trasforma il ‘romanzo di formazione’ di Solomon nell'esplorazione mentale della schiavitù: cosa significa essere schiavi nella testa prima che nel corpo, nella perdita del sé, nella rassegnazione alle ‘regole’ del sadismo (“Lo schiavo americano” di Comolli ci aveva già detto molto). Le linee lungo le quali si muove sono quelle di un paesaggio americano visto nel ‘rovescio’ del mito, come conquista e massacri - (Solomon a un certo punto incontra due nativi americani). Popolato di figure archetipe, da una parte come dall'altra, tra gli schiavi come tra i padroni. Il coro degli schiavi alle spalle di Solomon, la schiava che vuole essere come i bianchi... E il padrone condiscendente (Benedict Cumberbatch) - che, come dice a Solomon una giovane schiava, è sempre uno schiavista, difatti li tiene prigionieri. E quello sadico (l'icona del regista Michael Fassbender) che somiglia a un SS e la notte costringe i suoi schiavi ai festini. Ha una sua ‘favorita’ ma non esita a frustarla a morte. Le paludi, i campi di cotone, le ‘capanne dello zio Tom’ che frontalmente McQueen visualizza nel film (con la fotografia di Sean Bobbitt), disegnano con angosciosa precisione l'universo concentrazionario e le sue dinamiche di annientamento. La schiavitù viene messa a nudo nell'essenza profonda, mostrandone la trama a venire: colonialismo, società postcoloniali, la lotta delle Panthers in America, e dei neri in GB, l'odierno razzismo quotidiano. Senza retorica né consolazione. La peggior vergogna dell'America ottocentesca è stata senza alcun dubbio lo schiavismo. Il cinema americano l'ha rivisitato o nelle cifre di Hollywood, “Via col vento”, o con accenti abilmente caricaturali, “Django”, o nell'ambito di un dibattito storico e civile, “Lincoln”. Adesso il regista inglese di colore Steve McQueen ce ne parla invece dall'interno rifacendosi alla storia vera scritta da un ex schiavo, Solomon Northup, che l'ha vissuta e patita di persona (...) SteveMcQueen si era già felicemente imposto nel cinema inglese con due film intensi e quasi stravolti, “Hunger”, su un episodio terribile della guerra contro l'IRA, e “Shame”, sulla discesa agli inferi di un uomo di successo a New York. Questa volta, sulle tracce delle memorie di Solomon Northup, ha scelto, anche più che in “Hunger”, un approccio decisamente iperrealista dando spazi ai corpi martoriati, al sudore, agli sfregi, alle percosse, superando spesso i limiti del sostenibile e ben diversamente da quelle sue più quiete opere di artista visivo (……): primi piani durissimi, quasi spietati, alternati con piani sequenza indirizzati a esplorare fino in fondo quelle immagini lacerate e quei luoghi grondanti orrore; costruendovi poi in mezzo delle interpretazioni pronte ad esprimere le più riposte sfumature, anche se straziate. Non solo quella del protagonista, Chiwetel Ejiofor, una maschera equamente divisa fra disperazione e terrore, ma quella di Michael Fassbender che, dopo aver già recitato nei primi due film di Steve McQueen, ha accettato qui di dar vita al personaggio più odioso di tutta la storia, il padrone sadico. Unica figura positiva, il canadese che farà arrivare i soccorsi. La interpreta però con stile molto diverso dagli altri Brad Pitt, capelli lunghi e barbetta, ma non gli si poteva dire di no. Era tra i finanziatori del film. STEVE MCQUEEN Arrivederci a martedì 7 ottobre 2014, per l’inizio della stagione 2014/2015!
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Post n°202 pubblicato il 28 Aprile 2014 da cineforumborgo
VIVA LA LIBERTÀ Regia: Roberto Andò È davvero singolare, l'entrata a gamba tesa di “Viva la libertà” nella campagna elettorale. Un'irruzione magari non prevista, perché la realizzazione di un film ha tempi diversi da quelli della cronaca politica, ma con la quale occorre non di meno fare i conti. Anche perché, piaccia o no al regista Roberto Andò e al protagonista Toni Servillo, il gioco del ‘chi è chi’ scatterà nella testa di ogni spettatore. Ha ragione Servillo a rispondere in maniera piccata ai cronisti che gli chiedono se si è ispirato a Renzi o a Bersani. E però questo magnifico attore, che nel film - interpretando due gemelli - tocca vertici di virtuosismo inediti persino per lui, sa bene che il giochino non è solo nella testa di giornalisti alla caccia di un titolo. Se lo chiederanno tutti, per poi rispondersi che “Viva la libertà” è una fiaba politica, un apologo alla Sciascia, un'allegoria. Che però - come tutte le fiabe ben scritte - allude alla realtà. Siamo dunque in Italia, durante una campagna elettorale. Il partito d'opposizione (che non viene mai nominato, ma fa parte della Sinistra europea) è in piena crisi. Il segretario Enrico Oliveri (che nello studio ha la foto di un altro Enrico più bravo di lui, Berlinguer), l'ha portato nei sondaggi al minimo storico del 17%. Oliveri è un cinquantenne incerto e impaurito, con un solo desiderio: sparire. E infatti un giorno sparisce, gettando nello sconforto il suo portavoce Bottini (Valerio Mastandrea). Oliveri va a Parigi, a trovare una vecchia fiamma e a rimestare nel passato. Bottini, disperato, gioca una carta estrema. Sa che Oliveri ha un gemello, Giovanni, un filosofo reduce dal manicomio che scrive libri incomprensibili sotto falso nome. Lo cerca, lo trova, gli parla. Lo mette al posto del fratello. Forse pensa di poterlo manipolare. Invece Giovanni, un po' come Chance il giardiniere in “Oltre il giardino”, comincia a concedere interviste e tenere comizi dicendo cose spiazzanti e assurde che, nel mondo dominato dal politichese, suonano come idee geniali. Con la sua follia (nella quale, come dice Bottini, c'è «del metodo») Giovanni porta il partito al 66% nei sondaggi! «Stavolta vinciamo», mormora Bottini: e sembra quasi spaventato… Ispirandosi a un proprio romanzo, Andò ha confezionato un pamphlet surreale con momenti davvero ispirati, che naturalmente vorrebbe essere un monito alla sinistra perché si dia una mossa e cambi qualche parola d'ordine. È molto bello il momento in cui Giovanni, a un convegno, dice: dobbiamo fare in modo che nessuno possa mai dire che i tempi erano oscuri perché loro hanno taciuto! La filosofia è in parte quella dei girotondi, della necessità di svecchiare, di cambiare vocabolario, di essere concreti. Ma… c'è un ma. Denunciando con le parole di un ‘puro’ la demagogia della politica, il film rischia di cadere in una demagogia di segno opposto. C'è un passaggio lampante: facendo campagna elettorale, Giovanni incontra prima dei bambini di una scuola che lo festeggiano, poi dei medici in ospedale che ascolta con sguardo serio e partecipe, infine degli operai in un cantiere, con tanto di casco in testa. Sono tre inquadrature senza dialogo, durano 30 secondi ma contengono in sé tutto il problema, che è poi quello della raffigurazione della politica al cinema. Di fronte a tre emergenze simili (scuola, sanità, lavoro) cosa può dire un filosofo pazzo - e cosa può dire un film? Il rischio è che i comportamenti estroversi e ‘simpatici’ di Giovanni assomiglino tristemente a quelli di un vero capo del governo (ora ex) che nel film non viene mai nominato. Se questo è un monito su quanto è malata l'Italia, ok. Nel film lo dice a Giovanni il collega De Bellis, un vecchio burocrate della politica interpretato da Andrea Renzi con un paio di baffetti molto ‘dalemiani’. Non è un personaggio positivo, anzi, è quasi il ‘cattivo’. Il rischio è che abbia ragione lui. C’è il segretario del principale partito d’opposizione (un buon riassunto dei recenti leader italiani di Centro Sinistra) che entra in crisi: sondaggi e opinione pubblica lo danno in declino al punto che una bella mattina l’uomo sparisce, senza dire nulla nemmeno al suo fidato portaborse. In realtà è a Parigi, da una sua ex amante che lavora nel cinema, ha una figlia ed è compagna di un regista di culto di nome Mung, sorta di sintesi cinefila tra Wong Kar-wai e Kim Ki-duk. Nella Ville Lumière il politico piano piano ritrova se stesso, mentre a Roma, nel panico, la moglie e il portaborse sfidano il destino, convincendo il fratello gemello del politico - un filosofo dai tratti geniali da poco uscito da una clinica psichiatrica, segnato da una depressione bipolare - a sostituirlo. Improvvisamente, tutto sembra tornare al suo posto: il fuggitivo, amante del cinema, viene addirittura invitato sul set del nuovo film di Mung improvvisandosi assistente scenografo, mentre il filosofo affronta colleghi di partito, giornalisti, convegni e comizi citando Brecht e presentandosi dal Presidente della Repubblica e da una specie di simil Merkel sempre con il sorriso sulle labbra, addirittura ballando e danzando, tra mappamondi chapliniani e interviste politicamente scorrette rilasciate con feroce sincerità. Quasi nascosto dalle cronache cinematografiche e dalla stessa distribuzione, il nono lavoro (tra lungometraggi e documentari) di Roberto Andò - tratto dal suo libro “Il trono vuoto” (Bompiani), vincitore del Premio Campiello Opera Prima 2012 - sorprende per compattezza di scrittura e nettezza di sguardo. Pare un film francese - testimoniato dall’(in)sostenibile leggerezza dei personaggi di Valeria Bruni Tedeschi e del suo compagno di scena Mung - che ha trascorso un mese di vacanza in compagnia di Elio Petri, con Toni Servillo (qui ancora una volta magnifico, nelle doppie vesti dei gemelli) sempre più Gian Maria Volonté. (……) caldamente consigliabile agli indecisi e ai perplessi (scopriranno di averne ben donde). ROBERTO ANDO’ Martedì 6 maggio 2014:
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Post n°201 pubblicato il 07 Aprile 2014 da cineforumborgo
GLORIA Regia: Sebastián Lelio Un viaggio nel corpo di un Paese attraverso il corpo di una Donna: è “Gloria”, il film del cileno Sebastían Lelio, che ha la forma della commedia e però il passo del dramma, la leggerezza del tocco e la profondità del pensiero. L’Orso del passaparola, entrato papa e uscito cardinale dall’ultima riunione della giuria, è un film vitale e agrodolce, con un coraggio nel mostrare corpi sessantenni intenti ad amoreggiare che non si vedeva dai tempi di “Settimo cielo” (2009) di Andreas Dresen, tra l’altro giurato. Alla fine il premio - sacrosanto - è andato alla protagonista Paulina García, la Gloria del titolo, che incarna una sorta di mélange tra la Gena Rowlands di cassavetesiana memoria e la Carmen Maura più pesta e vendicativa. Ogni parallelo tra il personaggio principale e il Cile di oggi è sensato e di fatto incoraggiato dalla sceneggiatura, in particolare nel suo rapporto col passato, vale a dire il disastroso amante Rodolfo (Sergio Hernández), vile, bugiardo e guerrafondaio come il più smidollato dei maschi. E sarà proprio lui a subire la vendetta sublime di Gloria nella scena più memorabile e rapida di tutto il film. Tra famiglie disfunzionali, cene di compleanno apocalittiche e l’improvvisa, salvifica apparizione di un pavone (digitale), “Gloria” si apre e si chiude su una pista da ballo e nel finale risuona proprio la canzone eponima del titolo - quella di Umberto Tozzi, anche se in versione ispanica. Un bizzarro pendant musicale con la Gianna Nannini che porta sollievo nel film premiato con l’Orso d’oro, “Poziţia copilului” di Câlin Peter Netzer. SEBASTIÁN LELIO
Martedì 29 aprile 2014:
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Post n°200 pubblicato il 31 Marzo 2014 da cineforumborgo
AMOUR Regia: Michael Haneke (...) vedendo questo doloroso e feroce film di Haneke sul binomio amore e morte (visto nella quarta età, fuori dal consumo ormai banale) non ci viene da piangere, se mai da pensare e stare in silenzio perché la storia non è suonata mai sul pedale del melodramma, anche se i due protagonisti sono musicisti in pensione, con un curriculum di raffinate serate culturali, come si vede all'inizio. Due ottantenni che vivono «reclusi» per scelta in un appartamento borghese parigino dove ogni tanto capita la figlia (straordinaria Isabelle Huppert, per lei non esistono piccoli ruoli) e qualche ex allievo. Poi il Male, sotto forma di un ictus, colpisce la donna attraverso un lento palesarsi, momento di cinema e tensione altissimi, funny game del miglior Haneke. Ma chi si ammala davvero è il marito che diventa ossessivo e patologico nei confronti della moglie inferma e tenta la grande magia di trasformare l'amore in tenerezza, dedizione tanto da rifugiarsi in alcune splendide sequenze oniriche (un incubo polanskiano ma anche una glossa a Hitchcock, alla mercé d'una semplice anticamera); il film si conclude con una magnifica trovata di regia che esclude appunto ogni lacrima e sostituisce il Tempo eterno, al tempo reale. Stringendo sempre più la visuale sociale, dalla piccola comunità de “Il nastro bianco” alla famiglia di “Funny Games” ai due anziani coniugi di questi sussurri senza grida (un'altra Palma a Cannes), Haneke, uno dei più serenamente cinici maestri austriaci, in pessimistica gara con Ulrich Sedl e Thomas Bernhard, ci dà lezione di vita & regia. Un finale di partita faticoso e senza uscite di sicurezza. Sul tema dell'amorosa constatazione che ogni affetto ha una fine, già trattato da maestri come Bergman ed ora in teatro da Paravidino col diario della madre Maria Pia morente, Haneke ci offre una riflessione rigogliosa espressa con un cinema europeo rigoroso, claustrofobico, discreto, dove nulla è per caso e ogni oggetto, ogni attimo rimanda al conto finale di una vita. E se la malattia è terminale, il dolore, dice l'autore, no, continua e si trasforma a volte in un esplosivo dramma da camera come questo che solo gli stolti potranno dire che è teatro (sulla rotta Strindberg-Ibsen-Bergman) e che i grandi reduci Jean Louis Trintignant ed Emmanuelle Riva interpretano con una misura che ha del miracoloso nella leggerezza del tocco tragico. Morale: è un film che fa bene, se ne esce liberati, riconcilia col cinema dopo tanto pop corn. Il momento più difficile della vita, che naturalmente è la fine, in un film che tiene fede per due ore al suo titolo: “Amour”. Senza effetti di stile, ma con un linguaggio sorvegliatissimo che esalta la prova davvero magnifica dei protagonisti. E senza ricorrere a medici, letti d'ospedale, flebo, cateteri e altri elementi ricattatori, immancabili nella pornografia del dolore oggi dilagante. Anzi senza mai uscire dal vasto appartamento parigino in cui vivono gli anziani musicisti Emmanuelle Riva e Jean-Louis Trintignant. Se non nel prologo, un concerto visto dal palcoscenico, perché sono loro due a interessarci. Unica concessione al mondo esterno insieme a qualche giornale, alle visite della figlia (Isabelle Huppert) o di un ex-allievo ora famoso concertista, e a un piccione bizzarro che si ostina a entrare dalla finestra. Come la vita che resiste, malgrado tutto. Dopo film magnifici e terribili come “Funny Games”, “La pianista”, “Niente da nascondere”, “Il nastro bianco”, si poteva temere che il regista austriaco avrebbe riservato la stessa durezza agli ultimi mesi di questa coppia unitissima e devastata dalla malattia improvvisa di lei. Falso allarme. Haneke non è mai stato più delicato, anche se non fa sconti. Dal primo malore al ritorno a casa dopo l'operazione, al progressivo e inesorabile deteriorarsi della Riva (la grande protagonista di “Hiroshima mon amour”), fino al momento estremo, sullo schermo ci sono solo loro, i loro ricordi, i loro sentimenti, quella casa piena delle cose di una vita. Insomma i loro sentimenti, ma senza mai un'ombra di sentimentalismo (perfino la musica è usata con parsimonia ammirevole). Questione di sguardo: Haneke coglie bellezza, e tenerezza, e sentimenti indicibili, nei momenti più imprevisti (quel goffo abbraccio per alzare la moglie inferma e farla sedere sulla poltrona che diventa un paradossale pas de deux). Concentra decenni di routine e probabilmente di felicità coniugale in poche frasi, un campo lungo, un lampo di civetteria o di ironia (...). E difende la libera scelta dei malati e dei loro cari (...) senza fare proclami, ma con una discrezione e insieme un'empatia che dovrebbero proibire per sempre di etichettare il bellissimo “Amour”, dominato dall'insofferenza dei protagonisti per quel male che non solo li aggredisce ma invade la vita che gli resta, come un film «su» - sulla malattia, la vecchiaia, eccetera. Da vedere in originale naturalmente, per cogliere ogni vibrazione, ogni sfumatura, di questa partitura carezzevole e implacabile. Come lo sguardo che Haneke posa sui suoi due memorabili protagonisti. MICHAEL HANEKE Martedì 8 aprile 2014:
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Post n°199 pubblicato il 24 Marzo 2014 da cineforumborgo
MONSIEUR LAZHAR Regia: Philippe Falardeau In una scuola elementare di Montreal una maestra s’impicca in classe; a trovarla è uno dei suoi alunni. Nello shock generale occorre cercare un supplente: è lo stesso Bachir Lazhar, un immigrato algerino di 55 anni, a presentarsi di sua sponte alla preside e, come un deus ex machina, ad aiutare la classe a fare i conti con l’idea del lutto e della morte. Ma anche Bachir deve affrontare un passato tragico di cui nessuno è a conoscenza. Un inizio folgorante. Niente di meglio per catturare lo spettatore fin dall’inizio. Non facile, ma riesce in pieno a Philippe Falardeau nel suo “Monsieur Lazhar”, nominato agli Oscar 2013 come rappresentante del Canada.Viviamo la morte della maestra di una scuola elementare del Québec attraverso gli occhi di un alunno di 11 anni che la trova impiccata nella sua aula. A sostituirla arriverà un elegante signore algerino che dice di aver insegnato letteratura per 19 anni nel suo Paese. Un impatto difficile, per lui, per i ragazzi colpiti dall’evento tragico e per i genitori che forse sono i più scioccati e irrazionali di tutti. Genitori che per i sensi di colpa ormai soccombono ai figli su tutto e non permettono di farli contraddire dagli insegnanti, portandoli alla perdita della loro autorità. Scopriamo presto che l’incapacità di capire il gesto estremo così pubblico dell’insegnante per Bachir Lazhar, questo il nome dell’insegnante, è legata al fatto che la sua famiglia è stata vittima di una tragedia ad Algeri. Per lui è impossibile capire, vittima di una morte imposta, chi possa togliersi la vita, pur potendone disporre. PHILIPPE FALARDEAU Martedì 1° aprile 2014: |
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