CINEFORUM BORGO

IL LATO POSITIVO - SILVER LININGS PLAYBOOK

Titolo originale: Silver Linings Playbook
Regia: David O. Russell
Soggetto: Matthew Quick (romanzo)
Sceneggiatura: David O. Russell
Fotografia: Masanobu Takayanagi
Musiche: Danny Elfman
Montaggio: Crispin Struthers, Jay Lash Cassidy
Scenografia: Judy Becker
Arredamento: Heather Loeffler
Costumi: Mark Bridges
Effetti: DIVE
Interpreti: Bradley Cooper (Pat Solitano), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Pat Solitano Sr.), Jacki Weaver (Delores Solitano), Chris Tucker (Danny), Anupam Kher (dott. Cliff Patel), Shea Whigham (Jake), Julia Stiles (Veronica), John Ortiz (Ronnie), Paul Herman (Randy), Dash Mihok (agente Keogh), Matthew Russell (Ricky D'Angelo), Cheryl Williams (madre di Tiffany), Patrick McDade (padre di Tiffany), Brea Bee (Nikki), Regency Boies (Regina), Phillip Chorba (Jordie), Anthony Lawton (dott. Timbers), Patsy Meck (Nancy), Jeff Reim (Jeffrey), Fritz Blanchette (Fritzy), Ted Barba (Doug Culpepper), Tiffany Green (Tanya)
Produzione: Bruce Cohen, Donna Gigliotti, Jonathan Gordon per Mirage Enterprises/The Weinstein Company
Distribuzione: Eagle Pictures
Durata: 117’
Origine: U.S.A., 2012
Oscar 2013 a Jennifer Lawrence come miglior attrice protagonista

Patricio, Pat, è un bipolare. Non lo sapeva. Se n’è accorto nel suo box doccia, mentre stava picchiando a sangue l’amante della moglie. Ma questo è il passato, anche il ricovero coatto è il passato, anche l’ordinanza restrittiva passerà, l’importante è essere ottimisti, positivi, riempire un libretto (il ‘silver lining playbook’) di buoni propositi, mantenerli, e Nikki tornerà. Nikki è la moglie scomparsa. Era dal 1981 che un film non otteneva quattro nomination agli Oscar nelle quattro categorie riservate agli attori (l’ultimo fu “Reds” di Warren Beatty, chi l’avrebbe mai detto). Anche se alla fine la statuetta l’ha portata a casa soltanto Jennifer Lawrence. Per il suo personaggio, Tiffany, era stata opzionata Anne Hathaway che però aveva un impegno, ed evocate tra le altre Angelina Jolie e Kirsten Dunst: dopo un provino che doveva essere una formalità, Russell ha scelto la 21enne Lawrence, assolutamente fuori parte. Non si è trattata di una scelta al risparmio: la Lawrence è un talento naturale fuori discussione (chiunque ha visto “Winter’s Bone” lo sa, purtroppo siamo in pochissimi che ci svegliamo nel cuore della notte davanti a Rai Movie e non riusciamo a trovare il telecomando). Ma soprattutto è la protagonista di “Hunger Games”, ovvero il primo capitolo di una saga per adolescenti, ovvero una montagna di soldi che deve ancora emergere del tutto. È brava, è bella, e a 21 anni ha vinto un Oscar interpretando una vedova ninfomane che incontra Pat e lo trascina in un concorso di ballo.
Ce l’ha messa tutta Jennifer, ha anche preso dei chili per esplicita richiesta del regista; ugualmente la cosa lascerebbe un po’ perplessi se non fosse così brava e bella che in fondo chissenefrega, i film americani sono belli perché la mantide del quartiere, quella che si fa licenziare solo dopo esserci stata con tutti quelli dell’ufficio, è Jennifer Lawrence Ventunenne. Ah, è molto bravo anche Bradley Cooper, che fin qui io avevo visto solo in tv e in commedie un po’ coglioni. Il suo Pat, sempre in bilico tra ottimismo e disperazione, era un personaggio rischiosissimo. E anche lui ha dovuto imparare a ballare - o magari sapeva ballare già e ha disimparato. Ed è bravo persino Robert De Niro, pensateci bene: da quand’è che non vedevate De Niro recitare bene in un film bello? Vi sconsiglio di contare gli anni, viene la vertigine. De Niro, se ti dimentichi un attimo quelle commedie coglione in cui fa il padre rintronato, te lo ritrovi in questo film che fa davvero il padre rintronato, e saranno i lineamenti italiani, ma è così credibile che ti mette in imbarazzo, hai voglia di telefonare a tuo padre alle tre del mattino per dirgli che gli vuoi bene.
Ma insomma che film è? Una commedia? Non proprio. È un film che resta sospeso fino all’ultimo intorno al mistero di Nikki, la moglie perduta. Tornerà? Non posso dirvelo, ma davvero cambierebbe tutto. Da commedia romantica, con una trama che a leggerla ci sembrerebbe scontata (due ballerini lottano per ritrovare la fiducia in sé stessi! che idea! che palle!) a thriller psicologico. Seguendo quella che ormai mi sembra una tendenza, Russell ha deciso di ambientare il romanzo di Matthew Quick non nel Magico Mondo delle Commedie, ma in una realtà molto simile alla nostra; un luogo dove quando un uomo incontra una donna non parte mai la musica giusta, e dove ballerini non ci si improvvisa - ma se avete amato i colli dei piedi inadeguati degli Amici di Maria, scoprirete di tifare Pat e Tiffany contro ogni buon gusto, perché ci mettono il cuore, e soprattutto perché il padre ci ha messo anche un sacco di soldi, che fuori dal Magico Mondo delle Commedie sono davvero importanti. Nel 2012 hanno fatto qualcosa di simile Kathryin Bigelow, Gus Van Sant, P.T. Anderson, Ben Affleck, rifiutandosi di spettacolarizzare storie di spie, guru ed ecomostri che si sarebbero ben prestate; lo stesso Spielberg ci ha dato con “Lincoln” uno dei suoi film meno spettacolari e più - mettiamoci le virgolette - “verosimili”. Le virgolette hanno un senso perché la verosimiglianza non implica che la realtà non venga modificata e romanzata; anzi a ben vedere (……) film del genere sono persino un po’ sleali, per come rischiano di sostituirsi alla realtà vera. Nel caso di “Silver Lining Playbook”, oltre all’assurdità della Lawrence divorziata+ninfomane, abbiamo due psicotici che si corteggiano, da qualche parte nella nostra testa dovrebbe suonare un allarme antiatomico, però sono così bravi, sono così belli, sono così teneri quando vanno ‘a Ballando con le Stelle’ sperando nella media del Cinque (su Dieci), che ti ritrovi a sperare che si mettano assieme, NO PERDIO GLI PSICOTICI NON DEVONO METTERSI ASSIEME nessuna farmacia pratica sconti famiglia sugli psicofarmaci.
Ma almeno non è la solita commedia. Anzi, sapete cosa sembra? Ora rischio grosso. A un film di Gabriele Muccino, però fatto in America, però fatto bene. No, non è soltanto perché i personaggi urlano e strepitano sovrapponendosi e ogni tanto parte un carrello circolare - ok, è soprattutto per i carrelli circolari. Però a me è rimasta la curiosità di immaginare cosa riuscirebbe a fare Muccino davvero, a Hollywood, se riuscisse a lavorarci bene. Mesi fa si lamentava tanto del modo che hanno laggiù di ragionare per categorie che sono comportamenti stagni: per le commedie sentimentali si applica un protocollo, per il genere drammatico un altro protocollo, ecc.. Muccino era molto italiano mentre cercava pretesti per una sconfitta professionale, però magari non aveva tutti i torti: gli americani sono fatti così. Non è solo una questione di mercato e di industria: anche la cultura è compartimentata in modo molto più stagno che da noi. Eppure proprio mentre Muccino si lamentava stavano uscendo tutti questi film, storici senza battaglie, spionistici senza i gadget di 007, sentimentali ma con gli psicofarmaci. Insomma tieni duro, Gabriele Muccino, forse i compartimenti si stanno alzando, provaci ancora. Noi tifiamo per te, non è che ci sei sempre piaciuto, eh? Però sei di famiglia, tieniti in forma, perdi magari qualche chilo, tieni duro, trova uno script di quelli fatti apposta per te con un sacco di bei personaggi che si urlano in faccia le peggio cose. Excelsior!*
(*) Tradotto in italiano fa ancora troppo Mike Bongiorno.
Leonardo Tondelli, piueventi.it

DAVID O. RUSSELL
Filmografia:
Spanking the monkey (1994), Amori e disastri (1996), Three Kings (1999), Le strane coincidenze della vita (2004), The Fighter (2009), Il lato positivo - Silver Linings Playbook (2012), American Hustle - L'apparenza inganna (2013), Legacy of Secrecy (2014)

Martedì 11 marzo 2014:
ZERO DARK THIRTY di Kathryn Bigelow, con Jessica Chastain, Jason Clarke, Joel Edgerton, Jennifer Ehle, Mark Strong

MOONRISE KINGDOM - UNA FUGA D'AMORE

Titolo originale: Moonrise Kingdom
Regia: Wes Anderson
Sceneggiatura: Wes Anderson, Roman Coppola
Fotografia: Robert D. Yeoman
Musiche: Alexandre Desplat
Montaggio: Andrew Weisblum
Scenografia: Adam Stockhausen
Arredamento: Kris Moran
Costumi: Kasia Walicka-Maimone
Effetti: John Ruggieri, Dan Schrecker, Look! Effects Inc.
Interpreti: Bruce Willis (comandante Sharp), Edward Norton (Capo Scout Ward), Bill Murray (sig. Bishop), Frances McDormand (sig.ra Bishop), Tilda Swinton (responsabile dei servizi sociali), Jared Gilman (Sam), Kara Hayward (Suzy), Jason Schwartzman (cugino Ben), Bob Balaban (narratore), Lucas Hedges (Redford), Charlie Kilgore (Lazy-Eye), Andreas Sheikh (Panagle), Chandler Frantz (Gadge), Rob Campbell (Deluca), L.J. Foley (Izod), Gabriel Rush (Skotak), Seamus Davey-Fitzpatrick (Roosevelt), Tommy Nelson (Nickleby), Larry Pine (sig. Billingsley), Marianna Bassham (Becky), Neal Huff (Jed), Erich Anderson (segretario McIntire), Harvey Keitel (comandante Pierce), Jake Ryan (Lionel)
Produzione: Wes Anderson, Scott Rudin, Steven M. Rales, Jeremy Dawson per American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Moonrise, Scott Rudin Productions
Distribuzione: Lucky Red
Durata: 94’
Origine: U.S.A., 2012

C’è motivo di scandalo per quel lieve goffo abbraccio, mentre il bambino chiede scusa per la sua erezione preadolescenziale e la bambina gli spiega che nel bacio bisogna che le lingue si tocchino, e lui alla fine con garbo, sputa? Certamente no, perché la scena è allo stesso tempo commovente e buffa, al centro di un’avventura fatta di innocenza, nata dalla solitudine, dallo sperdimento della fine dell’infanzia e dalla paura del mondo adulto: e tutto il film è soprattutto il racconto dell’immensa, trionfante, emozione del primo amore; eppure il film negli Stati Uniti è sconsigliato ai minori di 13 anni, mentre dovrebbe esserlo agli adulti, spesso immalinconiti dalla nostalgia di aver perso lungo gli anni, il meraviglioso, segreto sapore della vita. Come gli adulti del film, a loro volta buffi e commoventi, chiusi nei loro ruoli professionali e nella loro irrimediabile solitudine, nei loro tentativi di trovare un senso nel lavoro fatto bene, nella bella casa, nei legami fortuiti, nel matrimonio spento, nei figli, o comunque nei bambini, che invece restano estranei, irraggiungibili. Il padre malinconico Bill Murray, la madre sciatta e adultera Frances McDormand, il solitario poliziotto Bruce Willis, il volenteroso comandante dei boyscout Edward Norton, la crudelissima assistente sociale Tilda Swinton con una spaventosa cotonatura rossa, e tutti gli altri attori adulti, sono irresistibili nella capacità di vivere ironicamente personaggi seri e sperduti. Geniale la scelta dei ragazzini al loro primo film, dodicenni durante la lavorazione del film: Jared Gilman, Sam, che affronta la fuga attrezzato per la sopravvivenza, col pesantissimo zaino da boyscout, tenda e scorta d’acqua, e Kara Hayward, Suzy, che lo segue, attrezzata per la fantasia, col mangiadischi, il gattino e i suoi amati libri. Esistono ancora così seri e decisi, così segreti e senza paura? Forse, ma per precauzione, quasi raccontasse una fiaba, Wes situa la sua storia nel 1965, tempo che oggi appare separato dalla contemporaneità, in un’isola quasi disabitata al largo della Nuova Inghilterra. Le prime scene scandagliano una bella villa di quadri come fosse la sezione di una casa della bambole, stanza per stanza. Una donna si lava i capelli, un uomo legge, tre bambini ascoltano un disco di musiche di Britten ispirate a Purcell, la bambina musona Susy ascolta Francoise Hardy e guarda col binocolo le vuote distese d’erba e gli incontri semiclandestini della madre. Sam sta dalla parte opposta dell’isola, in un campeggio di boyscout, sbeffeggiato dai compagni, orfano dei genitori e respinto da quelli affidatari. Giudicati, sia Susy che Sam, bambini difficili, ’disfunzionali’ come si dice adesso, sono legati a un segreto: un anno prima si sono conosciuti ad una esilarante recita in chiesa (lei travestita da corvo) e si scrivono, per prepararsi alla fuga. In quell’isola aspra, di rocce, foreste, precipizi, cascate, si nascondono, vagano, liberi degli adulti: il boyscout sa montare tende, infilzare pesci e accendere il fuoco, la ragazzina sa con le sue letture fantasy rendere ogni cosa meravigliosa. Finalmente tra loro, escono dal silenzio, si amano con la goffaggine dei bambini e la sicurezza dei grandi: intanto gli adulti danno loro la caccia, come fossero piccoli criminali, incapaci di capire, immersi nei loro fallimenti, il mondo splendente che i bambini ‘disfunzionali’, hanno finalmente, anche se forse non per sempre, attraversato.
Natalia Aspesi, La Repubblica

Siamo su un’isoletta tempestosa del New England nell’estate del 1965, ma grazie all’insistita presenza ispiratrice di Benjamin Britten e allo stile ‘understatement’ dei dialoghi e del cast longilineo (la taglia più grande è di Willis), alzi la mano chi non ha pensato di assistere a un film british a cui il social ermafrodita sorriso di Tilda Swinton dà la botta finale. E chi crederebbe che Wes Anderson è nato nel Texas? Film divertente, cattivello, shakespeariano con due 12enni innamorati (proprio colpo di fulmine, tipo “La dodicesima notte”) che fuggono insieme, come in trance, in un’impossibile Arcadia sentimentale e, mentre tutti li cercano, si trovano al centro di una tempesta, sia fisica sia morale. Lei faceva il corvo a teatro (certo, sempre il nostro Britten) e lui faceva parte delle truppe 55 dei boyscout ma si scopre orfano e lascia i coetanei che infatti lo odiano. Tutto senza un vero perché. Wes Anderson, anche sceneggiatore con Roman Coppola, narra una cotta infantile con stile un po’ cartoon (Mr. Fox è rimasto nell’inconscio), un margine di racconto didascalico geometrico brechtiano all’inizio (c’è anche un narratore, Bob Balaban) ma senza negarsi caratterizzazioni ufficiali di capi scout (Edward Norton magnificamente inespressivo), la madre padrona al megafono (grande Frances McDormand ‘contro’ Bill Murray). E poi i due debuttanti, Jared Gilman e Kara Hayward che con studiata titubanza garantiscono di aver classe anche in futuro: hanno imparato a rinunciare alle mail e ai telefonini, a scrivere a mano e vedersi film anni ‘60. Diventeranno i nipotini dei Tenenbaum? Soprattutto Anderson (ha un nome favoloso che promette bene) racconta una favola composta di sentimenti autentici, di piccoli e grandi segreti e di momenti magici legati alla scoperta più di sé che del mondo, portandoci dentro con la solita spiritosa discrezione in un’avventura di puro cinema, shakerando il mélo under 15 alla bufera di mare e alla critica di costume per finire nel vicolo cieco per happy few di Britten e anche di un’orchestrazione che al cinema da tempo non si sentiva così perfetta.
Maurizio Porro, Film TV

WES ANDERSON
Filmografia:
Un colpo da dilettanti (1996), Rushmore (1998), I Tenenbaum (2001), Le avventure acquatiche di Steve Zissou (2004), Hotel Chevalier (2007), Il treno per il Darjeeling (2007), Fantastic Mr. Fox (2009), Moonrise Kingdom - Una fuga d'amore (2012), The Grand Budapest Hotel (2014)

Martedì 5 marzo 2014:
IL LATO POSITIVO - SILVER LININGS PLAYBOOK di David O’Russell, con Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker

PIETÀ

Titolo originale: Pieta
Regia: Kim Ki-duk
Sceneggiatura: Kim Ki-duk
Fotografia: Jo Yeong-jik
Musiche: Park In-young
Montaggio: Kim Ki-duk
Scenografia: Lee Hyun-joo
Arredamento: Jean Sung-ho
Costumi: Ji Ji-yeon
Effetti: Lim Jung-hoon, Digital Studio 2L
Interpreti: Cho Min-Soo (Mi-sun, donna misteriosa), Lee Jung-Jin (Kang-do, usuraio), Ki-Hong Woo (Hoon-chul), Eunjin Kang (Myeong-ja, moglie di Hoon-chul), Jae-ryong Cho (Tae-seung), Myeong-ja Lee (madre del suicida), Jun-seok Heo (suicida), Se-in Kwon (macchinista con la chitarra), Beom-jun Kim (uomo di Myeongdong), Jong-hak Son (boss), Jin Yong-Ok (negoziante sulla sedia a rotelle), Jae-rok Kim (monaco), Won-jang Lee (Sang-gu), Mun-su Song
Produzione: Kim Soon-Mo per Kim Ki-Duk Film Production
Distribuzione: Good Films
Durata: 104’
Origine: Corea del Sud, 2012
Leone d'Oro, Leoncino d'Oro Agiscuola, Premio P. Nazareno Taddei e Mouse d'Oro alla 69. Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia (2012).

I premi servono a fare polemiche piuttosto che a segnalare un artista. Ma sarebbe bello se il meritatissimo Leone d’Oro assegnato dalla giuria di Michael Mann a “Pietà” riuscisse ad avvicinare il pubblico a uno dei più originali artisti della scena mondiale. Chi è Kim Ki-duk? Una specie di Van Gogh coreano che ha scelto con la propria biografia e con l’arte di rompere tutte le convenzioni, nell’urgenza di esprimere sentimenti assoluti. Nella vita ha fatto l’operaio e il pescatore, il marine dell’esercito coreano e il predicatore, il pittore di strada a Parigi e il monaco su un’isola. Alla premiazione di Venezia ha cantato un'aria popolare e salutato col pugno chiuso. Fra tanti anticonformisti di maniera e per interesse, con conto in banca milionario e lo staff di esperti di marketing alle spalle, Kim Ki-duk è un vero artista in lotta contro un sistema dove conta soltanto il danaro. “Pietà” è una fiaba oscura contro il capitalismo girata con pochi soldi e senza scomodare grandi scenari planetari, complotti o trame della finanza di Wall Street. L’azione si svolge nella vecchia periferia operaia di Seul, ormai stravolta dai grattacieli delle corporations, e questo è già racconto. Un uomo giovane, bello, con un giubbotto di pelle griffato, ogni mattina si alza e va a riscuotere i debiti per conto di un usuraio mafioso. È spietato, algido, capace di mutilare o uccidere chi non paga i suoi padroni. Un giorno per strada è inseguito da una donna di mezza età, ancora bella, che dice di essere sua madre. La madre che l'ha abbandonato trent’anni prima. La prima reazione è furibonda, ma la donna riuscirà ad aprire il cuore del giovane e a cambiargli il sentimento verso gli altri. Il resto della storia è giusto lasciarla alla meraviglia dello spettatore, ricca com'è di colpi di scena, forse un po' troppi. È questo forse l'unico difetto di un film magnifico, inesorabile, che concentra in un tempo breve di racconto, cento minuti, la rivoluzione di un'anima. Un altro passo del percorso unico di questo regista che in passato ha regalato alcuni capolavori, amati non soltanto dalla critica, come “Ferro 3”, “L’isola”, “Bad Guy”, “Primavera, estate, autunno, inverno e ancora primavera”, oltre allo straordinario documentario sulla propria esistenza da eremita, “Arirang”, che porta lo stesso titolo della canzone intonata a Venezia. Le cronache si sono soffermate a lungo sulle scene di violenza, aggressioni e stupri. In genere, quando vedo questa roba al cinema, mi alzo ed esco all’aria. Ma in Kim Ki-duk la crudeltà non è mai gratuita, tanto meno compiaciuta. È il tratto nero intorno alle figure di Van Gogh. Serve a far splendere meglio il colore delle passioni. Alla fine ciò che resta nella memoria dello spettatore non è il guizzo di sangue, ma la pietà di una madre, il bisogno disperato di amore di un uomo. Levando lo sguardo, un panorama di umanità asservita a un sistema disumano. Gli attori protagonisti, Lee Jong-jin e Cho Min-soo, sconosciuti da noi, ma celebri in Corea, sono straordinari. Il terzo protagonista è la periferia di Seul, lo stesso quartiere operaio dove negli anni ‘50 era emigrata la famiglia del regista. Un paesaggio fisico e umano universale. Non si chiamavano del resto ‘coree’ i nostri ghetti per immigrati del Sud degli anni ‘50?
Curzio Maltese, La Repubblica

L’amore attraversa/o il dolore: il cinema di Kim Ki-duk si potrebbe riassumere in questo assioma e anche il suo 18esimo lungometraggio (che lo stesso regista sudcoreano ricorda numericamente prima che il suo film cominci) non fa eccezione. Un recuperatore di denaro («Che cos’è il denaro?» si sente ripetere ossessivamente) e una presunta madre, un giovane che «per trent’anni ha vissuto senza amore» e una donna che quell’amore l’ha perduto. In un girone dell’inferno contemporaneo dove i grattacieli schiacciano le piccole case, le piccole imprese, i piccoli empori e gli umili della Terra, i due personaggi di Kim Ki-duk sono fantasmi il cui spirito è volato via dai corpi, cadaveri che camminano nel degrado morale e materiale di una società che non ospita più i suoi cittadini, anzi: li espelle.
La cinepresa del grande autore asiatico non dà respiro, incalza, insegue, inciampa nelle gambe del sadico criminale e della determinata madre addolorata, si volta, si arrampica sulle loro tragedie come, d’altronde, tutti i personaggi del suo ferito, sanguinante, abbacinante percorso per suoni e immagini. Senza ripararsi e con stoico coraggio Kim Ki-duk prosegue la sua ricognizione antropologica: i suoi uomini e le sue donne sono anime in pena in cerca di una felicità impossibile, (extra)terrestri che vagabondano in un Pianeta irrimediabilmente contaminato, sguardi lancinanti che spargono lacrime nella pioggia. I suoi film sono fantascienza allo stato impuro. Dentro una coscienza straziata dalla sofferenza.
Aldo Fittante, Film TV

KIM KI-DUK
Filmografia:
Ageo (1996), Yasaeng dongmul bohoguyeog (1997), Paran Daemun (1998), Seom - L'isola (2000), Shilje sanghwang (2000), Indirizzo sconosciuto (2001), Tipo cattivo (2001), Hae anseon (2002), Primavera estate autunno inverno... e ancora primavera (2003), Ferro 3 - La casa vuota (2004), La samaritana (2004), L'arco (2005), Time (2006), Soffio (2007), Dream (2008), Arirang (2011), Pietà (2012), Moebius (2013)

Martedì 25 febbraio 2014:
MOONRISE KINGDOM - UNA FUGA D'AMORE di Wes Anderson, con Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jared Gilman, Kara Hayward

KIKI - CONSEGNE A DOMICILIO

Titolo originale: Majo no takkyûbin
Regia: Hayao Miyazaki
Soggetto: Eiko Kadono (romanzo)
Sceneggiatura: Hayao Miyazaki
Fotografia: Shigeo Sugimura§
Musiche: Joe Hisaishi
Montaggio: Takeshi Seyama
Scenografia: Hinoshi Ono
Effetti: Kaoru Tanifuji
Produzione: Hayao Miyazaki per Studio Ghibli/Nippon Television Network/Tokuma Shoten
Distribuzione: Lucky Red
Durata: 102’
Origine: Giappone, 1989

Questo non è solo un film per ragazzi. “Kiki consegne a domicilio” è davvero un film per tutti, perché racconta con leggerezza e commozione l’emozione della vita. Hayao Miyazaki (celebrato maestro dell’animazione giapponese), attraverso piccole emozioni profonde che si susseguono scena dopo scena, si sofferma su quel momento critico e fondamentale che porta dall’adolescenza all’età adulta. La protagonista è Kiki, una (buonissima) strega. A tredici anni compiuti (così accade fra le streghe) decide che è arrivato il momento di lasciare la casa e i propri genitori. Nel corso di una piccola, emozionante cerimonia di addio, Kiki saluta mamma, papà e parenti. Poi con il suo gatto parlante Jiji (si legge Gigi), inforca la scopa e parte verso il cielo ed il mare.Sembra proprio di rileggere in queste scene le parole del grande pedagogista Marcello Bernardi, secondo il quale la famiglia «è quel porto ideale, sicuro e incrollabile, dal quale si parte per la conquista del mondo, ma al quale si può sempre ritornare». Non è ancora bravissima a guidare il suo mezzo volante, ma Kiki arriva in una città trafficata, al centro della quale svetta un alto campanile. La Koriko inventata da Miyazaki è una città europea (le automobili tengono la destra, al contrario di quanto si fa in Giappone e in Inghilterra) in cui si ritrovano elementi diversi: la radio trasmette in inglese, le scritte per le strade sono nelle lingue più varie (anche l’ungherese e l’italiano), c’è tanta gente aperta e disponibile. Insomma, sembra un luogo ideale per crescere e capire il mondo. Kiki qui supera il primo momento di difficoltà (anche perché alle streghe la gente di Koriko non è abituata) trovando una sistemazione e un lavoro di consegne a domicilio in una panetteria (chi può farle meglio di lei, che vola su una scopa?). In queste scene la streghetta vive un momento di grande felicità e di grandi emozioni: mette a posto la sua prima casa, si accorge che un ragazzo le fa la corte, si gusta le sue prime soddisfazioni sul lavoro.
Ma la vita cambia spesso le carte in gioco, e mette alla prova anche chi ha appena assaporato le sue prime certezze. E così, dopo aver preso tanta pioggia nel corso di una delle sue consegne, Kiki si becca un terribile raffreddore. Quando guarisce si accorge che dentro di lei qualcosa è cambiato. Che non riesce più a capire il suo gatto (sente solo i miagolii), che non riesce più a volare sulla scopa. Questo è un punto cruciale del film (che si distacca dall’omonimo e meno emozionante romanzo della scrittrice giapponese Eiko Kadono), in cui spettatori e protagonista si chiedono se ci sia davvero un momento in cui la magia, che in qualche momento della nostra vita abbiamo vissuto, si perde. Se davvero il passaggio alla vita adulta non può che essere la fine della speranza, dell’emozione, della sorpresa.Non raccontiamo ovviamente cosa accade nella parte finale del film, la più avventurosa, in cui giocano un ruolo importante Tombo, il ragazzo che corteggia Kiki, appassionato di mezzi volanti, e Ursula, una giovane pittrice. Ma certo il sogno non si spezza, perché Hayao Miyazaki in questo film (che è del 1989, successivo a “Il mio vicino Totoro”) senza alcuna melensaggine ci insegna che quando la vita toglie le certezze conquistate sa proporre nuovi scenari di serenità.
Un consiglio fondamentale: bisogna rimanere seduti a guardare anche quello che è nascosto durante i titoli di coda. Non ci sono ciak sbagliati, né gag a sorpresa, ma l’epilogo e il senso stesso del film: quasi Miyazaki voglia farcelo scoprire superando la nostra abituale fretta e distrazione.
Luca Raffaelli, La Repubblica

Tenendo fede alla tradizione inaugurata nel 2009, quando portò per la prima volta nelle nostre sale “Il mio vicino Totoro” (1988), la Lucky Red tira fuori dal cilindro il suo quarto Hayao Miyazaki d’annata: “Kiki consegne a domicilio” (1989), spesso ritenuto un film minore nella carriera del sensei giapponese. Questo, intendiamoci, non perché sia poco riuscito o banale, ma in quanto privo della problematicità della maggioranza delle opere miyazakiane.Tratta dall’omonimo romanzo di Eiko Kadono, la pellicola segue le avventure della tredicenne Kiki, che, come ogni giovane strega della sua età, lascia la famiglia per compiere un noviziato di un anno in una città a sua scelta, dove dovrà trovarsi un lavoro e mantenersi da sola. Una volta arrivata nella marittima Koriko, consapevole di non saper fare altro che cavalcare la propria scopa, Kiki pensa bene di istituire un servizio volante di consegne a domicilio.
Pur avendo per protagonista una streghetta, non siamo alle prese con un film di magia. A parte il volo, l’unico prodigio in cui Kiki riesce è dialogare con il suo gatto nero Jiji. Per il resto è una ragazzina il cui passaggio dall’infanzia all’adolescenza si attua attraverso un percorso di emancipazione lavorativa, un po’ come succede a Chihiro ne “La città incantata”, togliendo però dal contesto cattivi, pericoli, bizzarre creature e incantesimi. In fondo le due donne che accolgono Kiki, la panettiera Osono e la pittrice Ursula, incarnano rispettivamente la professionalità e l’indipendenza, due caratteristiche femminili molto care a Miyazaki, quasi una sfida per il Giappone conservatore. Gli uomini invece (escludendo il sognatore Tombo, coetaneo e amico della protagonista) restano comparse sullo sfondo di un paesaggio concepito immaginando una sorta di Svezia idilliaca mai toccata dalla Seconda Guerra Mondiale.
“Kiki” è una storia semplice, ma non semplicistica, che conserva immutata la propria freschezza a distanza di oltre vent’anni. A volte per emozionarsi basta un sussurro.
Angela Bosetto, Cinematografo.it

HAYAO MIYAZAKI
Filmografia:
Lupin III - Il castello di Cagliostro (1979), Nausicaä della valle del vento (1984), Laputa - Castello nel cielo (1986), Il mio vicino Totoro (1988), Kiki consegne a domicilio (1989), Porco Rosso (1992), On your mark (1995), Principessa Mononoke (1997), La città incantata (2001), Il castello errante di Howl (2004), I racconti di Terramare (2006), Ponyo sulla scogliera (2008), Si alza il vento (2013)

Martedì 18 febbraio 2014:
PIETÀ’ di Kim Ki-duk, con Cho Min-Soo, Lee Jung

IL SOSPETTO

Titolo originale: Jagten

Regia: Thomas Vinterberg

Sceneggiatura: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm

Fotografia: Charlotte Bruus Christensen

Musiche: Nikolaj Egelund

Montaggio: Janus Billeskov Jansen, Anne Østerud

Scenografia: Torben Stig Nielsen

Costumi: Manon Rasmussen

Suono: Kristian Eidnes Andersen, Thomas Jæger

Interpreti: Mads Mikkelsen (Lucas), Thomas Bo Larsen (Theo), Annika Wedderkopp (Klara), Lasse Fogelstrøm (Marcus), Susse Wold (Grethe), Anne Louise Hassing (Agnes), Lars Ranthe (Bruun), Alexandra Rapaport (Nadja), Sebastian Bull Sarning (Torsten), Steen Ordell Guldbrand Jensen (Lars T), Daniel Engstrup (Johan), Troels Thorsen (Bent), Søren Rønholt (Big Carsten), Hana Shuan (Tiny), Jytte Kvinesdal (Inger), Josefine Gråbøl (maestra d’asilo), Bjarne Henriksen (Ole), Nicolai Dahl Hamilton (proprietario del supermercato), Øyvind Hagen-Traberg (macellaio), Allan Wibor Christensen (aiuto macellaio), Rikke Bergmann (cassiere del supermercato), Rasmus Lind Rubin (Pede), Frank Rubæk (Elias), Jacob Højlev Jørgensen (Erik), Nina Christrup (sorella di Bruun), Birgit Petersen (sorella di Bruun), Karina Fogh Holmkjær (Ulla), Heidi Gross (moglie di Big Carsten), Marie Aktor (moglie di Tiny), Mona C. Soliman (moglie di Bent), Mie Ravn Nielsen (moglie di Lars T), Kim Westi (poliziotto), Thomas Ravn (poliziotto), Katrine Brygmann (Kirsten), Hunden Rosa, Thomas Frederiksen, Lene Rømer

Produzione: Sisse Graum Jørgensen, Morten Kaufmann, Thomas Vinterberg per Zentropa Entertainments in coproduzione con Ilm I Väst/Zentropa International Sweden, con la partecipazione di Dansk Filminstitut/DR/Eurimages/Nordisk Film & Tv Fond/Svenska Film Institutet/SVT e il Media Programme dell'unione Europea

Distribuzione: Bim

Durata: 106’

Origine: Danimarca, 2012

Premio per la miglior interpretazione maschile (Mads Mikkelsen) e premio della Giuria Ecumenica al 65. Festival di Cannes (2012).

Piacerà e commuoverà. All'uscita della «seance» al Festival di Cannes dello scorso maggio, una bella fetta del pubblico aveva i lucciconi (e Mads Mikkelsen si prenotava il Palmares per il miglior attore con parecchi giorni d'anticipo). Noi, per la verità, ci siamo accostati a “Il sospetto” con qualche riserva. Del regista, Thomas Vinterberg avevano molto ammirato qualche anno fa il film d'esordio “Festen” ma quelli seguenti non s'erano rivelati entusiasmanti. E poi sembrava una fissa. Babbo pedofilo confesso in “Festen”, eroe non confesso (cioè innocente) in “Il sospetto”. Tanto da conciliare l'idea che gli atti osceni su minori siano lo sport più diffuso in Danimarca. Dunque carte rivoltate. Rivoltate bene però. Una tragedia provocata dall'innocenza del diavolo (Klara) e dalla colpevolezza (inconscia) dell'angelo (Lucas) e fatta deflagrare dalla malafede e dall'ottusaggine. Perché gli adulti linciano Lucas? Perché è l'adulto amato dai bambini che loro non riescono ad essere. Perché psichiatri da quattro soldi infieriscono? Perché un caso come quello dell'orco può dare slancio alle loro meschine carriere. Qualche collega, refrattario alle emozioni provenienti dallo schermo ha degradato prontamente “Il sospetto”. Che non sarebbe un dramma, ma un melodramma, un furbo feuilleton rivolto alla pancia dello spettatore. Ma che ci frega della pancia. “Il sospetto” è cinema come lo vorremmo sempre vedere, diretto, scritto, recitato come raramente si vede. Alzi la mano chi non accompagna Lucas fino alla fine del suo calvario.

Giorgio Carbone, Libero

I bambini sono innocenti, i bambini hanno immaginazione, i bambini non sanno mentire. La piccola, angelica, dispettosa Klara confida alla direttrice dell’asilo che il maestro Lucas è brutto e cattivo e le ha fatto vedere il suo ‘coso’. L’incredulità dura poco perché si sa che l’innocenza non conosce malizia. Arriva lo psicologo a interrogare Klara che adesso nega, ma lui insiste, allora lei fa sì con la piccola testa bionda, per potersene andare a giocare: sì, Lucas è stato cattivo. Il papà di Klara è il più grande amico di Lucas, lo conosce da sempre, non vuole credere, ma se la bambina, quel fragile tesoro da proteggere contro tutto, nega ancora, forse è per non dover ricordare l’orrore. Vengono informati i genitori degli altri bambini, che subito si dichiarano anche loro vittime dell’orco, partono le denunce alla magistratura, la polizia si muove, l’orco viene arrestato. Tutta quella piccola comunità civile e serena, fatta di famiglie amiche e per bene, unici svaghi virili le sbronze di birra, i bagni nudi d’inverno nel laghetto gelato, la caccia al cervo, riscopre il rifiuto, la paura, l’odio, la violenza. “Il sospetto” è un grande film, diretto dal regista danese Thomas Vinterberg, autore nel 1998 dello sconvolgente “Festen”, altra storia di tragica pedofilia. Qui racconta con implacabile perfezione quanto siano in realtà fragili, anche in un paese ordinato e democratico come la Danimarca, sia la comunità che la famiglia, cui affidiamo con eccessiva fiducia le difese contro il disordine, l’infelicità e la solitudine. Lucas ha appena divorziato, vive solo, l’ex moglie gli lascia vedere il figlio adolescente Marcus solo ogni due settimane. La sua vita già precaria viene travolta dalla calunnia, anche la sua nuova ragazza finisce per dubitare. A saperlo innocente e a difenderlo sono solo suo figlio e un amico. La pedofilia è un crimine antico e attuale, praticato, come si usa dire, da persone insospettabili, anche in famiglia, massimo sfregio all'innocenza e al futuro delle vittime. Però Vinterberg sa raccontare benissimo il crimine opposto, cioè come si possa rovinare la vita di una persona innocente con quell'accusa infamante, quando si crea una psicosi collettiva. Perché pare più giusto credere a quel che dicono i bambini fino a quando non si smentiscono, mentre è facile non credere a ciò che dice in sua difesa un adulto che in quanto tale non può essere innocente. Uscire da quella ragnatela calunniosa di cui le prime vittime sono i bambini, è difficile: e per fortuna è successo alle maestre di Rignano, assolte nel maggio scorso dopo 7 anni di emarginazione e vergogna. Lucas forse ce la fa, ma non ne siamo così sicuri, anche se gli amici hanno ripreso ad abbracciarlo e la ragazza è tornata da lui. Ma intanto ha vissuto per mesi in desolato annientamento: dal supermercato l’hanno cacciato a pugni e calci; hanno cercato di colpirlo in casa gettando sassi attraverso la finestra; la notte di Natale è entrato in chiesa mentre i bambini del suo asilo, i suoi accusatori, cantano gentili e i fedeli lo hanno fissato come un nemico, come un mostro. Il protagonista è il divo danese Mads Mikkelsen, premiato a Cannes come miglior attore; bello e muscoloso, dà il ritratto grandioso del maschio scandinavo contemporaneo, affettuoso amichevole, disponibile, umile, che precipitando in una situazione brutale e ingiusta, decide di combatterla da solo, mantenendo la sua dignità senza diventare violento.

Natalia Aspesi, La Repubblica

THOMAS VINTERBERG

Filmografia:

De storste helte (1996), Festen - Festa in famiglia (1998), D-Dag (2000), Le forze del destino (2002), Dear Wendy (2005), Riunione di famiglia (2007), Submarino (2010), Il sospetto (2012), Far from the Madding Crowd (2014)

Mercoledì 12 febbraio 2014:

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