Meglio old o new?

Bene, per aggiornare questo blog, oggi parlerò del film V for Vendetta.

Titolo e credits:

V per Vendetta (V for Vendetta) 2006 - Regia: James McTeigue. Interpreti: Hugo Weaving, Natalie Portman, Stephen Fry, John Hurt. Dal fumetto omonimo di Alan Moore. Scritto e prodotto da Andy e Larry Wachowski.

Trama:

La Germania, vincitrice della II Guerra Mondiale, ha trasferito il suo credo politico alla Gran Bretagna, facendone una nazione nazista e spietata. V, misterioso vendicatore mascherato che prende a modello Guy Fawks (che, nel 1605, tentò di far saltare in aria la Camera dei Lords inglese), si oppone strenuamente al regime. Salvando la giovane Evey, la rende sua adepta. Ella proseguirà nell'impresa iniziata da V.

Commento al film:

Diretto da James McTeigue, ma osservando bene, più dai Wachowsky Brothers (quelli di Matrix, per chi non lo ricordasse) e interpretato da Hugo Weaving (il gelido Mr.Smith sempre da Matrix), V for Vendetta è un film totalmente atipico se confrontato con altre pellicole dedicate a più o meno conosciuti supereroi.

V, eroe celato dietro una maschera e un abbigliamento ripresi dallo stile di Guy Fawks, coltiva il desiderio di rendere di nuovo libera la Gran Bretagna, che i nazisti hanno politicamente colonizzato alla fine della II Guerra. Egli si ispira ai grandi ideali del passato (Fawks per primo), guardando a ciclo pressochè continuo "Il conte di Montecristo" film del '34 di R.V.Lee con Robert Donat come protagonista; ne conosce a memoria le battute e si commuove immancabilmente al finale (scopriremo in seguito anche perchè il personaggio di Montecristo lo ispiri tanto..). Potrebbe sembrare un eroe di mezza tacca, un illuso della democrazia, ma....bhe, V non è assolutamente così. Meno "ingombrante" (e, di sicuro, meno american-style) di Superman, di Batman, di Capitan America o altri, V è una sorta di estremista liberale che si esprime con frasi leggiadre tratte da Shakespeare, poeti e pensatori. Questo fa di lui una sorta di finissimo affabulatore, che porta strenuamente avanti la propria crociata contro l'oppressione del popolo.

E' un finissimo spadaccino, usa i coltelli come fossero penne da inchiostro, facendo strage di nemici. Ma non si limita all'azione fisica: diffondendo via etere musica e parole, incita il popolo alla rivolta, non pretendendo di essere il solo artefice della liberazione.

Nella sua dìimora-cripta segreta, accumula tesori d'Arte di ogni genere (quei tesori che il governo oppressore considera "immorali" e quindi da distruggere), fra i quali spicca uno stupendo Van Eyck, ma anche la locandina di "White Heat", noir di culto diretto da Raoul Walsh nel '49.

Gradualmente, V ci coinvolge nella sua lotta, votandoci ai suoi ideali (violenti ma, per così dire, "necessari"), "coadiuvato" (involotariamente) in questo dalla spietata ferocia del dittatore Sutler (uno strepitoso John Hurt, che si ispira, in parte, al ruolo che fu di Richard Burton in "1984"), fino al fantasmagorico e pirotecnico finale.

V non ci mostrera' mai il volto (a discapito del suo interprete, che si vede costretto a fondare tutto sulla dialettica), bensì sarà il popolo ad assumerne le sembianze.

Osannato o denigrato a morte dalla critica, V for Vendetta è invece (e semplicemente) un bel film che punta soprattutto sull'interpretazione degli attori (in special modo su quelli "secondari", che hanno le facce e la superba maestria, oltre che del succitato Hurt, di Stephen Fry, Sinead Cusack, John Standing, fra i più noti), più che su centinaia di duelli ed effettoni a go-go (tranquilli, è pur sempre un Wachowski-film...)

Non commento ulteriormente la presenza di Natalie Portman, pur discreta (specialmente in bellezza) per il semplice fatto di essere ancora traumatizzata dalla sua interpretazione della Regina Padme in Star Wars. Il complesso personaggio di Evey, a mio giudizio (specialmente nelle scene della sua"indottrinazione"), richiedeva una interprete di maggior spessore (ricerca che, ai tempi attuali, non è impresa di poco conto...)

***Da vedere

Oggi scriverò di un film che sta facendo molto discutere: Munich di S. Spielberg.

Come molti sapranno, il film parte dall'atto terroristico dei Giochi Olimpici di Monaco del 1972, quando un gruppo di terroristi palestinesi appartenenti a Settembre Nero, prese in ostaggio diversi membri della squadra olimpica israeliana. Dopo 21 ore di trattative, tutti gli ostaggi (e quasi tutti i terroristi) furono uccisi.

Spielberg tratta marginalmente tale evento, concentrando la trama su un ipotetico seguito di accadimenti, ossia la vendetta perpetrata dal Mossad (il servizio segreto israeliano) contro i mandanti dell'atto terroristico.

A differenza di quanto era stato fatto nel caso del rapimento del criminale nazista Eichmann (prelevato a forza dall'Argentina e tradotto in Israele per essere processato), in questo caso si tratta di pura vendetta: uccisioni sommarie senza processo.

Il Mossad forma un gruppo di 5 agenti, ponendo alla guida Avner, agente scelto già addetto alla sicurezza del premier israeliano Golda Meir.

Il gruppo, ucciderà progressivamente quasi tutti i mandanti palestinesi.

Questi i fatti. Ma parliamo di cinema.

I primi minuti del film, in cui Spielberg racconta per immagini (non c'è quasi dialogo, essendo i protagonisti di lingue differenti) sono eccellenti: una fotografia cruda, livida descrive freddamente solo i fatti, i movimenti di macchina sono sgraziati, nervosi a sottilineare la tensione. Bravo Steven.

Ma qui il film si ferma. Le oltre due ore e mezza successive sono un guazzabuglio di luoghi, di nomi, di eventi più o meno verosimili, di esplosioni più o meno riuscite, di pedinamenti, di ansie, di semi-pentimenti e semi-giustificazioni. Mai il Mossad (considerato il miglior servizio segreto del mondo) fu più pasticcione e disorganizzato.

Il protagonista (l'Eric Bana che già fu Hulk ed Ettore) ha la stessa carismatica espressività di un frullatore guasto. Pare possieda 2 sole espressioni - pensieroso e triste- ma il difficile è stabilire chiaramente quando le usi.

E' noto a tutti che Spielberg sia di religione ebraica (Darei la mia vita per Israele, fu una sua frase) ma, in questo film, pare titubante se dar ragione agli ebrei od agli arabi.... tutti hanno le loro ragioni, i loro torti, i loro scheletri nell'armadio.

Spielberg resta clamorosamente in bilico, non tenta a quanto pare di porre il piede in una sola staffa: lo fa esclusivamente quando ci coinvolge quali spettatori attoniti nel prefinale. In un montaggio alternato, mostra Avner che fa l'amore con la moglie mentre rievoca mentalmente il brutale omicidio degli ostaggi. Ma la nostra partecipazione è limitata agli eventi di Monaco, mentre restiamo quasi indifferenti allo sguardo allucinato di Avner, ormai conscio di essere un semplice assassino al servizio del Mossad.

E quel finalone, con l'inquadratura della sky-line di New York, dove ancora troneggiano le Torri Gemelle, monito alla follia terroristica a venire...

Caro Spielberg, si fa presto a dire che si darebbe la vita per la propria Patria di origine, nel lusso di ville hollywoodiane... ma si fa anche presto a capire che Munich non è Schindler's List che, affrontando temi raccapriccianti a noi ben noti, difficilmente necessitava di prese di posizione.

Hai cercato di parlare di Pace dove pace nn c'è; hai parlato di possibile convivenza, hai cercato di pungerci nel vivo del nostro occidentalissimo sdegno, ma il tuo pungiglione era intriso di un veleno melenso e deboluccio, mescolato agli ingredienti di un american sunrise cocktail.

Vai a Sabra, vai a  Chatila, nelle alture del Golan, sulla striscia di Gaza, vivi in un kibbuz, nei campi profughi, guarda le rovine di Beirut, passa da Nablus, Hebron e Ramallah, soggiorna a Gerusalemme o dovunque vuoi in quei territori martoriati, che siano ebrei, arabi, filopalestinesi, filosiriani, filo-quel-che-ti-pare: poi torna e dicci in faccia "Darei la vita per la mia Patria e per la Pace". Ma diccelo sicuro, prendendo posizione, non sorseggiando un ottimo Martini.

**Passabile

Il Cinema Orientale è sogno o realtà?

Dunque...per cominciare, ringrazio le persone che hanno fatto una capatina nel mio blog!!! Avrebbero fatto meglio a impiegare più saggiamente il loro tempo ma...ormai è fatta!!! Scherzi a parte, siete stati gentili, anche nei messaggi.

So che la mia passione per il Cinema d'epoca a volte può generare perplessità. Ma quello che io scrivo qui è frutto del mio grande amore sia per il cinema che per le arti visive in genere.

Anche se i puristi dell'Arte a questo punto si metteranno le mani nei capelli, posso dire che un Picasso non mi da le stesse emozioni di un Caravaggio; o almeno, me ne da di differenti.

Non affermo certo che Picasso non sia un grandissimo pittore, lungi da me ma, dovendo scegliere... regalatemi un Caravaggio!

Evidentemente, è una mia mancanza. Ma, in un'epoca di incertezze come la nostra, mi conforta averne almeno 2 o 3, siano pure esse errate.

Il Cinema d'epoca mi piace, mi da emozioni grandi. Il Cinema moderno, poche.

Mi riferisco al cinema statunitense, in particolare. Lo strapotere di Hollywood è evidente.

Quando uscì qui in Italia  “Hero” di Zhang Yimou, mi sconvolse vedere che, sulla locandina, la frase iniziale, a lettere cubitali, diceva: TARANTINO PRESENTA....

Dal momento che il film avrebbe avuto difficoltà ad essere “accettato” dal pubblico americano, Tarantino scese in campo e fece pressione fino alla sua distribuzione.

Ora, pur non avendocela troppo con Tarantino, mi sconvolse pensare che ci si riallacciava al suo successo con “Kill Bill”, per promuovere un film come “Hero”, di un regista premiatissimo come Yimou (Orso d'oro a Berlino per "Sorgo rosso", Oscar, David di Donatello e Leone d'argento per "Lanterne rosse", Leone d'oro e Coppa Volpi a Gong Li per "La storia di Qiu Ju", premio speciale della giuria di Cannes per "Vivere!", Leone d’oro a Venezia per “Non uno di meno” tanto per citare i più noti) .

E se qualcuno avesse mai a dire che un film come Kill Bill possa anche lontanamente aver a che spartire con il geniale Hero, sappia che potrei anche diventare violenta…

Ecco, Hero è, ad esempio, un film “moderno”. Ma non a caso, non è statunitense. Il cinema orientale, anche negli esempi più recenti, lo trovo interessantissimo.

Accennerò solo a “La tigre e il dragone”, pellicola troppo americanizzata, nonostante un disegno orientale di fondo. Non nego un suo certo valore (i suoi 4 Oscar nel 2000, dimostrano solo che negli USA si premiano più spesso film “a misura di pubblico americano”), ma Ang Lee è troppo influenzato dalla sua permanenza negli USA. Il suo “Wu-Xian” pur mantenendo le sue basi orientali, è più simile a “Matrix” dei “fratellini prodigio” Wachowski (non a caso i due film sono dello stesso coreografo di duelli, Yuen Woo Ping) che ai classici Wuxiapian di Hong Kong (ad esempio “La fanciulla cavaliere errante” del ’72 di King Hu o il più recente “Storia di fantasmi cinesi” del 1987 di Ching-Siu Tung, solo per citare a caso). Il filo diretto che lega il wu-xian alle filosofie orientali (allo Zen in particolare) nel film di Ang Lee si sfilaccia parecchio, a favore di una pura spettacolarizzazione.

Sarebbe un po’ come paragonare i duelli e le giostre sapientemente coreografati di “Ivanhoe” o “l’Arciere del re” con la cappa e spada ridanciana e improbabile di “Toto’ contro il pirata Nero”.  Entusiasmanti le prime, divertente, rumorosa e disarticolata la seconda.

Tornando ad “Hero”, confesso che alla sua uscita sono andata a vederlo con l’amaro in bocca di quel “Quentin Tarantino presenta…un film di Zhang Yimou”; la Thurman che brandisce la sua katana mi rimbalzava fastidiosamente nella mente ma, dalla prima scena, il tocco delicato e profondo del fine cineasta cinese, mi ha cancellato immediatamente quell’immagine dalla testa.

Il film è permeato di un fascino totalmente orientale, con un sapientissimo uso dei silenzi, degli spazi vuoti, delle pause nell’azione.

Yimou (come sempre nei suoi film) utilizza con rara maestria il colore: elaborato non solo a fini puramente estetici, bensì come elemento fondamentale nella trama. I colori puri, perfetti, divengono essi stessi narrazione, determinando non solo gli stati d’animo ma sospendendo la narrazione stessa in un attimo puramente infinito.

In alcune scene in particolare l’uso diegetico del colore sembra evidente: il duello tra Neve che vola e Luna, nel quale le foglie gialle sugli alberi e sul terreno (la rabbia, la gelosia e il risentimento), come la singola goccia di sangue che sgorga dalla ferita, si trasformano in rosse (la passione, la ferocia). O il duello tra Spada Spezzata e l’Imperatore, in cui i teli verdi che si frappongono tra i due duellanti, sembrano rappresentare l’odio fra i due ma, più genericamente, tutto l’astio accumulato da una intera nazione contro un Imperatore i cui scopi non vengono compresi.

E quando Neve che vola decide di immolarsi per permettere a Senza Nome di raggiungere l’Imperatore, il suo abito è bianco, vittima sacrificale per un’intera Nazione.

Ma sono solo alcuni esempi, perché la pellicola è una fucina continua di idee, di sensazioni: colma la vista e i sensi dello spettatore.

Più volte, gli addetti ai lavori, hanno sottolineato la sottile linea che collega il film di Yimou al “Rashomon” di Kurosawa: ma personalmente, lo vedo forse più collegato al “Ran” dello stesso autore nipponico, non foss’altro che per l’uso dei colori, netti, taglienti.

Spesso ho sentito definire il film di Yimou con termini quali lento, lentissimo, pesante, onirico, incomprensibile per gli occidentali: e forse lo è. Ma ben venga la lentezza, se questa lentezza porta con se una sì rara poesia. Se nel nostro occidentale e caoticissimo mondo, sempre più pressante pare la necessità di velocità, a volte un poco di lentezza, di indugio – di quell’indugio sognante che avvertiamo proprio in “Hero” – sarebbe da ricercare. Forse proprio come Spada Spezzata, che traccia per ore caratteri nella sabbia, alla ricerca della perfezione grafica di una sola parola. Ma è un Sogno, dolcemente e dolorosamente impossibile.

Commento a Hero: ****Piccolo Capolavoro

Visto che probabilmente i pochi e temerari visitatori di questo blog avranno capito come io sia una fanatica del Cinema del passato, vorrei parlarvi di un grande film, di uno dei miei registi preferiti. Il film è "Nodo alla Gola", il regista, il grande Alfred Hitchcock.

Film: Nodo alla Gola

Genere: thriller USA 1948 - colore - durata: 80 min Regia: Alfred Hitchcock - Sceneggiatura: Arthur Lawrence ( da una commedia di P. Hamilton )

Interpreti: James Stewart, Farley Granger, John Dall, Joan Chandler, sir Cedric Hardwicke.

La trama:

Pochi minuti prima dell’inizio di un cocktail da loro stessi organizzato due studenti, Brandon e Philip, uccidono un collega universitario, senza motivo apparente, e ne celano il corpo in un antico cassone posto nel salotto dell’appartamento che condividono. Tra gli ospiti è presente un loro docente che, insospettito da pochi e sottili indizi, riuscirà a ricostruire l’accaduto e a far confessare i due giovani omicidi.

La critica e il commento:

Il film, definibile “thriller psicologico”, è tratto da una commedia teatrale di P. Hamilton, a sua volta ispirata da un fatto di cronaca realmente accaduto. Trentesimo film di Hitchcock, è noto anche con il titolo di “Cocktail per un cadavere”.

Si tratta di un grande, innegabile esercizio di stile, poiché l’impianto di tipo teatrale del testo, ha suggerito al regista di risolvere il film con l’impiego di un unico, lunghissimo, piano sequenza.

In realtà, i piani sequenza sono più d’uno, raccordati magistralmente.

Tale escamotage ha permesso di rispettare sia l’unità di tempo che quella di luogo: il film infatti dura esattamente quanto la vicenda “reale” ( circa 80 minuti ) e l’azione si svolge per intero all’interno dell’appartamento dei due studenti. Oltre la finestra, per accentuare la sensazione del reale scorrere del tempo, le luci si incupiscono lentamente, a simulare un pomeriggio che diviene notte. La macchina da presa rappresenta l’occhio dello spettatore in sala  che segue la scena e i movimenti dei protagonisti. Per riuscire nell’intento illusorio, si è reso necessario un perfetto coordinamento tra movimenti di macchina, luci e microfoni, mentre sono stati impiegati fondali mobili di tipo teatrale che, a differenza di quelli cinematografici, consentono spostamenti più rapidi.

Una delle particolarità della pellicola comunque, resta il sottinteso ruolo del cadavere che, dall’interno della cassa dove è stato occultato e all’insaputa degli ospiti, sembra seguire con interesse lo svolgersi della vicenda, quasi ammiccando allo spettatore che, voyeur suo malgrado, sa bene cosa si celi all’interno di quell’ingombrante mobilio.

Non va trascurato neanche il lavoro sui personaggi: l’apparente e assoluta mancanza di movente dell’omicidio, quasi che esso stesso sia un puro “esercizio di stile”, l’assoluta  amoralità nel commettere il delitto, la travagliata e solo sottesa relazione gay ( non palesata data la bigotta censura dei tempi ) tra Brandon e Philip , forse alla base dell’omicidio,  il latente concetto di superuomo.

Dunque... mi scappava proprio di creare un blog... non me ne vogliano gli eventuali visitatori.

Ho scelto un argomento come il Cinema che, se non altro, conosco un minimo (creare un blog sulla terza legge della Termodinamica mi sembrava inopportuno, anche perchè non so assolutamente cosa dica la terza legge...).

Il titolo che ho scelto, Cinema old o new, riguarda l'annosa domanda, se sia cioè meglio il cinema attuale o quello del passato.

La mia risposta è sempre (o quasi) il vecchio. Purtroppo. Dico purtroppo perchè anche a me piacerebbe dire che ai nostri tempi vengono realizzati grandi capolavori. Confesso che li cerco, ma non li trovo.

Trovo invece una banalità sconvolgente. Vasta quanto il mare.

Prequel, sequel, remake, rivisitazioni, rimpasti, ibridazioni. Ma di nuovo, poco o nulla. Tutto è ripreso, continuato, modificato, distorto, capovolto.

Uno degli esempi più eclatanti di che tipo di cinema si fa oggi, è senza dubbio l'utilizzo degli eroi dei fumetti, che il cinema americano ha scoperto (o ri-scoperto) e utilizzato trasportando le loro avventure dalla carta stampata al grande schermo.

Dopo i primi tentativi, visto il successo di pubblico, la macchina cinematografica ha ingranato la quarta, sfornandone a decine. Spiderman, Hulk, Batman, I Fantastici 4, Daredevil, Catwoman sono solo alcuni degli esempi possibili. Ovviamente, i più visti e apprezzati, ottengono immediatamente un secondo e un terzo capitolo. Anzi, per risparmiar tempo, si girano i 3 episodi (numero magico secondo Hollywood) quasi contemporaneamente, per "ottimizzare la produzione".

"Ottimizzare". Che bella parola, eh? Ma, secondo il mio vocabolario, la parola ottimizzare intende rendere al meglio una determinata cosa; secondo Hollywood, invece, ottimizzare pare ridursi esclusivamente al significato tayloristico del termine: massimo risultato col minimo sforzo.

Cito una battuta del mitico Dr."Bones"McCoy in Star Trek II (...L'Universo è stato creato in 6 giorni? Bene, guardate noi: col progetto Genesi ve lo faremo in 6 minuti..."). Ecco appunto. Il cinema di oggi, spesso, è fatto così. Sarà anche ammirevole nel risultato tecnico, per carità (i computer generatori di immagini alleviano i dolori dei tecnici, i software che formattano le sceneggiature e gli story-board, quelli dei creativi e dei registi) ma si perde molto nel resto. Molto? A mio giudizio, troppo. 

La poesia insita nell'atto creativo di un'opera cinematografica si perde. Tutto va a velocità massima, tutto è progettato e predefinito. Il colpo di genio del regista, la correzione dell'ultim'ora del dialogo, l'inciampo leggero della MdP, l'esitazione quasi impercettibile dell'attore, un tempo messi in conto e, addirittura, in seguito venerati dagli appassionati, sono ora additati come aberrazioni intollerabili alla perfezione della macchina-cinema. 

Nostalgicamente, ripenso a volte alla carrellata in avanti alla prima apparizione di John Wayne in "Ombre Rosse" di John Ford: la MdP ha un leggerissimo e imprevisto sobbalzo, mentre l'operatore perde per un attimo il fuoco, ripristinandolo "in corsa": un errore che Ford mantenne in fase di montaggio, non tagliando o girando nuovamente la scena. Una piccola perfetta imperfezione.

Ma erano altri tempi, con un'altra tecnologia, con un concetto diverso del termine "fare film".

Si, erano altri tempi. Altri film. Era Cinema