Villa Adriana fu una residenza imperiale,Voluta dall’imperatore Adriano si trova presso Tivoli.

la struttura appare un ricco complesso di edifici estesi su una vasta area, in una zona ricca di fonti d’acqua. Nel 1999 Villa Adriana è stata dichiarata Patrimonio dell’umanitàdall’UNESCO.

Civita è una frazione del comune di Bagnoregio, in provincia di Viterbo, nel Lazio, è tra i borghi più belli d’Italia, famosa per essere denominata “La città che muore“.

Monterano o Monterano Vecchia;  è una città fantasma in Italia, situata nellaprovincia di Roma, nel territorio di Canale Monterano.Le rovine dell’antico borgo, per la loro bellezza e la relativa vicinanza a Roma, sono state utilizzate come set per numerosi film sia italiani che stranieri.

 Norchia è un sito archeologico Preistorico, estrusco, romano e medievale nei pressi di vetralla, anche se sia la necropoli che i resti della città ricadono nel territorio del comune di Viterbo.

Matera è un comune italiano,  capoluogo dell’omonima provincia e seconda città della Basilicata per popolazione, nonché il più grande comune per superficie della Basilicata, il diciannovesimo in Italia. Oggi grazie all’inserimento nel 1993 nelle liste dell’UNESCO e una grande pubblicità dovuta alla realizzazione del film The Passion di Mel Gibson,viene finalmente inserita in tutte le guide turistiche internazionali.

Campo di grano con volo di corvi è un dipinto a olio su tela, dipinto da Vincent Van Gogh nel 1890, s trova nel Van Gogh Museum di Amsterdam. Questa è stata, con molta probabilità, l’ultima tela dipinta da Van Gogh. Dopo pochi giorni, in un campo di grano come quello raffigurato, si sparò un colpo di pistola al cuore. È un artista oramai giunto alla soglia della disperazione interiore quello che dipinge questo quadro. I  critici e storici dell’arte vedono in questa opera la rappresentazione dello stato d’animo tormentato e angosciato dell’artista: una disperazione talmente forte che riesce a trasfigurare la visione che il pittore ha innanzi. Il campo di grano con volo di corvi è un paesaggio interiore. Un paesaggio fatto di solitudine e disperazione. In questa tela vi è racchiusa non solo la tragica esistenza del pittore ma tutta la sua vibrante tecnica esecutiva.  la tela è uno straziante grido di dolore, accentuato dal ritmo vorticoso delle pennellate, mediante le quali egli proietta il proprio stato d’animo e la propria dimensione di sofferenza sulla realtà circostante.

Nel 1884 Seurat e Signac ed altri pittori si unirono con il dichiarato intento di andare oltre l’impressionismo. Dare un fondamento scientifico al processo visivo e operativo della pittura. Si determino così un contrasto tra un impressionismo detto “Romantico” ed un impressionismo detto “Scientifico”. Richiamandosi alle leggi ottiche di Chevreul, Rood e Sutton Istaurarono la tecnica del Pointellisme, che consiste nella divisione dei toni nelle loro componenti, cioè in tante piccole macchie di colore puri accostati tra loro in modo da ricomporre , nell’occhio dell’osservatore l’unità del tono (luce-Colore), senza le inevitabili impurità dell’impasto che spenge e confonde i colori.

georges seurat – a sunday on la grande jatte

The Papal Palace, Avignon – Signac Paul

La tecnica inventata dall’impressionista Seurat, e poi applicata e sviluppata in diverse direzioni dagli altri Neoimpressionisti, si basava sulla capacità che ha l’occhio umano di percepire gli stimoli luminosi di colore diverso come un solo colore (mescolanza additiva).

 

Paul Cezanne è nato nel 1839 da una famiglia benestante, studio nel collegio Bourbon, dove ebbe come compagno il grande scrittore Emile Zolà.  Passo alcuni anni a Parigi per dedicarsi alla pittura, per tutta la sua vita cerco poi di far accettare le sue opere al Salon ufficiale ricevendo solo rifiuti.

Paul Cézanne -La casa dell’impiccato

A Parigi entro a contatto con quei pittori, che vennero poi chiamati Impressionisti e partecipò anche alla loro prima esposizione. Dall’impressionismo Cezanne apprese il dipingere En Plein Air e la ricerca della massima luminosità dei colori. Secondo lui in pittura ci sono due cose l’occhio e il cervello, ed entrambe si devono aiutare tra loro.

Paul Cézanne I giocatori di carte

Paul Cézanne  la montagne sainte victoire

Ciò vuol dire che la lettura semplicemente percettiva della natura non è sufficiente, esiste infatti un secondo livello di lettura quello intelletivo. E’ la geometria che attraversa tutte le cose e a cui tutto può essere ricondotto. Le sue figure acquistano maggiore monumentalità.

Il simbolismo può essere considerato l’ultimo grande colpo di coda del Romanticismo. Molti atteggiamenti che verranno chiamati simbolisti sono già vivi e vitali prima della data “ufficiale” de movimento, il 1886 l’anno in cui esce il manifesto del simbolismo sul figarò di Jean Moreas. Con quell’anno coincide la fine ufficiale dell’impressionismo e con la nascita di piccoli raggruppamenti post-impressionisti.

Edipo e la Sfinge (1864)  Gustave Moreau

Buddha in His Youth – Odilon Redon

 

Moreau e Redon sono oggi considerati i simbolisti più importanti.Mentre Redon faceva parte del salotto di Mallarmè, Gustave Moreau era un pittore di chiare origini romantiche, all’epoca già sessantenne che evidentemente aveva precorso il clima simbolista. Il suo stile potrebbe sembrare anche accademico, e di fatto mirato a fornire immagini adatte al contenutismo simbolista. Il repertorio dei miti classici, dei testi bibblici o della storia antica viene riletta da Moreau, in una chiave che prelude addiritura alle prossime interpretazioni freudiane. Il simbolismo odia la volgare apparenza delle cose, vuole scoprirne l’aseptto arcano, la segreta ragione. Non si accontenta del visibile ma vuole giungere ai significati nascosti e profondi.

Nella Vienna fecondata dalla presenza della secessione, nascono in breve distanza l’una dall’altra,quattro vicende artistiche che portano l’arte della capitale, degli imperi centrali, dal clima simbolista e Judendstijl, all’espressionismo.

Gustav klimt  (1862-1919) rappresenta quasi l’anima della secessione, la sua arte, colpisce sopratutto per la decorativita’. Klimt nasce di fatto come grande decoratore,in molte sue opere l’impianto decorativo entra di prepotenza nella composizione del dipinto.Klimt sottolinea il realismo quasi per aumentare l’attrito tra le due dimensioni.l’estrema eleganza del suo disegno impedisce sempre che vi sia un vero dissidio tra impianto naturalistico e la decorazione. Nel ritratto, l’incontro tra decorazione e figura, klimt sembra in alcuni casi preferire un linguaggio piu’ asciutto, indulgendo allora in forti contrasti tra colori chiari e scuri.

Gustav klimt il bacio

Il piu’ giovane Egon schiele (1890-1918) sembra da un lato il,continuatore di klimt, per esempio nella sobria eleganza dei suoi numerosi nudi,ma e chiaro dall’altro che la sua personalita’ lo porta, precocissimo, ad allontanarsi dal maestro dalla secessione grazie a una secchezza e angolosità di segno che preludono già agli sviluppi di  quell’espressionismo che  in Germania aveva fatto gia’ la sua comparsa con il gruppo della Die Brücke. Attorno al 1910 le prime opere più significative  iniziano un coerente sviluppo che terminerà bruscamente solo con la morte,nello stesso anno della scomparsa di ķlimt.. I molti autoritratti che mostrano l’autore con le espressioni piu’  variate, fino alla smorfia, i nudi di un esasperato erotismo ci informano subito che siamo fuori dal sogno di eleganza della secessione, in un modo in cui si sono già affacciati i fantasmi dell’incoscio. La critica alle convenzioni, l’amarezza esistenziale.

Egon Schiele autoritratto

Anche Oskar Kokoschka (1886-1980) comincia verso il 1906-07 a dare, in una serie di realistici ritratti dei personaggi della vienna di quegli anni. Le carriere di Schiele e Kokoschka sembrano votate allo scandalo: Lo scandalo per i nudi di Schiele si trasmormano in un’accusa di immoralita’. Mentre fara’ scandalo nel 1908 il dramma teatrale di Kokoschka, “assassino speranza dell donne”, il cui manifesto rappresenta una specie di distorta pieta’. Kokoschka trovera’ il suo piu’ alto volo,più terrestre ,  durante la divorante passione che lo legherà  ad Alma Mahler, dipingera allora “la sposa del vento” che rappresenta il turbine del loro amore.

Oskar Kokoschka La sposa nel vento

Siamo alla soglia della guerra. Dopo quest’ultimo e piu’ terrifiante turbine, l’Austria cadra’ e Kokoschka se ne allontanera’ per sempre.

Michelangelo Merisi noto come il Caravaggio  nasce a Milano, 29 settembre 1571, Si forma presso la bottega del pittore Simone Peterzano, Formatosi tra Milano e Venezia, recepisce i modi di due tradizioni diverse: da un lato il realismo lombardo, dall’altro il rinascimento veneto. A vent’anni si trasferisce a Roma, prima presso Lorenzo Siciliano, di seguito presso Antiveduto Gramatica, infine, frequenta per alcuni mesi la bottega del  Cavalier d’Arpino. Qui lui esegue dipinti di genere, nature morte, genere disprezzato dagli accademici del tempo perchè ritenuti soggetti inferiori rispetto a dipinti in cui venivano rappresentate figure umane. Lui inventa un suo particolare repertorio  dipingendo cesti di fiori e frutta affiancati da giovani in posa.Tra i primi dipinti dell’artista c’è il Bacchino malato, dipinto nel 1591 circa, che viene considerato un autoritratto eseguito nel periodo in cui fu ricoverato in ospedale per malaria.

Bacchino_malato

Il suo primo quadro di figure, dipinto nel 1595 circa, è il Riposo durante la fuga in Egitto,dove vediamo l’influenza dei pittori bergamaschi e bresciani, però vediamo anche un richiamo alla cultura romana dimostrato dall’angelo rappresentato di spalle che è il perno dell’intera composizione. Con l’abbandono della bottega del Cavalier d’Arpino, Caravaggio passa sotto la protezione del cardinal Francesco Maria Del Monte, che lo immette in un ambiente culturale molto più stimolante, esegue infatti in questo periodo Testa di Medusa, San Giovanni Battista, L’amore vittorioso, Giuditta e Oloferne.

Riposo durante la fuga in Egitto

La sua maturazione verso uno stile personale lo troviamo dei dipinti in San luigi dei Francesi che riguardano San Matteo (la Vocazione di San Matteo, il Martirio di San Matteo e San Matteo e l’angelo). Con il Martirio di San Matteo ha inizio la poetica caravaggesca del rapporto luce-ombra che poi si svilupperà nelle opere successive.  Del dipinto di San Matteo e l’angelo esistevano due versioni, ma la  prima fu rifiutata dai committenti perchè rappresentava un San Matteo popolano in atteggiamento ritenuto scandaloso all’epoca. Oggi questo dipinto è andato perduto. Prima di iniziare questa opera, Caravaggio avevo ricevuto la commissione di due dipinti nella chiesa di Santa Maria del popolo nella  cappella Cerasi, la  Crocifissione di San Pietro e la Conversione di San Paolo. Caravaggio interpreta  i due avvenimenti come fatti umani, tralasciando il sacro. In tutte le sue opere i modelli sono sempre persone di strada e quindi di basso ceto.

San Matteo e l’Angelo

Crocifissione di San Pietro

Fuggito da Roma per l’uccisone di un uomo dopo una Risa, a Malta nel 1601 viene proclamato cavaliere di Malta, il gesto rappresenta una riabilitazione per la vita sregolata dell’artista. Qui esegue quella che è la sua tela più vasta: la Decollazione del Battista. La scena è piuttosto spoglia, rappresenta un ambiente squallido, con colori spenti. Dopo essere stato espulso dall’ordine dei cavalieri di Malta fugge a Siracusa dove dipinge il Seppellimento di Santa Lucia e anche in questo caso, come nelle successive opere realizzate a Messina: La resurrezione di Lazzaro e l’Adorazione dei pastori, confermano la sua tendenza a lasciare grandi spazi vuoti su tele di dimensioni notevoli.

Decollazione di San Giovanni Battista

La resurrezione di Lazzaro

 Nel 1609 è dinuovo a Napoli dove viene ferito gravemente, qui esegue opere come Davide con la testa di Golia e Salomè con la testa di Battista. Nel 1610, sulla spiaggia di Port’Ercole, dove era in attesa di rientrare a Roma per ricevere la grazia, viene arrestato e incarcerato per 2 giorni, perchè scambiato per qualcun’altro, perdendo così tutti i suoi averi.

David con la testa di Golia

Due giorni dopo sulla stessa spiaggia, cercando di recuperare le sue cose, morì; di ” febbre maligna”. Caravaggio muore a 39 anni, pochi giorni dopo la sua morte arriva la grazia, e quindi il permesso di tornare a Roma.