Don Aurelio Olivati

NOTE DI ARTE 1 (Prof. Don Aurelio Olivati) pagine 1-10

  "NOTE DI ARTE 1˚" - "appunti di arte"- segue a Zibaldone 2

Come il colore esprime i sentimenti

Ci serviamo dei colori anche nei discorsi: es. la vita è "rosa" = ottimismo, umor "nero" = pessimismo, "rosso" di furore – "giallo" di rabbia, esistenza "grigia". Il pittore fa parlare i quadri col colore: col colore esprime la sua personalità e quella degli altri (nei ritratti) es. Bald. Castiglione (di Raffaello): un’armonia di toni neutri / grigio vellutato delle maniche, bianco rosato del collare, cupo bruno della veste e del copricapo per assecondare l’espressione pacata del volto, la distinzione,la compostezza della persona. IL bevitore (di Franz Hals) giallo dell’abito, guance rubiconde, rosso del vino per esprimere l’ottimistico buonumore del personaggio. Il nero del cappello fa risaltare il resto. 4Lutero (del Cranach) copricapo e veste, nero – viso, pallido per assecondare la figura … scostante dell’uomo severo, duro, iroso. Annunciazione (Angelico) colori delicati, chiari, sfumati quasi … ad acquarello per fissare in serenità la contemplazione sacra. Crocifissione (Masaccio) colori forti: il rosso della Maddalena è come un grido di dolore, è un tuffo nel sangue: gesto e colore per dire la tragedia Camera dal letto ad Arles (Van Gogh) 1888 "Si tratta della mia camera da letto, con questo particolare, che colori da me usati servono a suggerire il riposo o il sonno" giallo / verde / azzurro - i colori esprimono il torpore di un luminoso e greve pomeriggio estivo. 5

JAN VERMEER di Delft - "Lo studio del pittore" - L’artista intento a ritrarre la modella - Ambiente dato prospetticamente : primo piano della sedia e tenda – poi , pittore, modella, carta geografica - Ma, protagonista è la luce, che penetrando da sinistra, si smorza nell’interno e rende irreale, quasi fissati in sogno persino il pittore e la modella. Donde, senso di serenità e di pace. È il frutto di un’evasione artistica da una dura realtà: la vita dell’artista nelle strettoie della necessità – Undici figli da mantenere – pagava il fornaio con le tele – forse, l’artista ha voluto dipingere "il suo studio come avrebbe voluto che fosse".  6 7

VAN GOGH    La pianura della Crau - - Il pittore lascia la città per rifugiarsi in campagna. Da Parigi, dove la sua vita era affannata, nella Provenza piena di sole. - Abituato a colori grigi e smorti, ora accende di giallo la tavolozza: il giallo è in tutti i colori, come se il sole toccasse tutte le cose. Blu, verde, azzurro: tutti con un po’ di giallo. Non sono colori puri. - fasce dei campi, orizzontali, regolari, che si assottigliano verso l’orizzonte, separate da tenui linee azzurre. Alla serenità non si addicono linee contorte. -  Anche la pennellata, da larga in primo piano si attenua fino a scomparire in fondo. - Il carretto è il centro del quadro: tutto vi confluisce e si diparte. Polarizza ed espande.  8 9

STATUE EQUESTRI: M. Aurelio - Statua dorata in origine (una leggenda dice che quando riemergerà l’oro sarà la fine del mondo); - non si vedono giunture o saldature. Unica fusione con unica gettata, e la tecnica rimane un mistero. Cangrande della Scala - dal sorriso sereno, gioviale, arguto, sembra salutare, prima di balzare via, - Persino il cavallo sembra ammiccare con furbizia, - Tali caratteri donano al complesso un tono d’insieme, che ammorbidisce la stessa durezza del marmo. Vi contribuisce l’elmo a muso di cane, la ricca gualdrappa da torneo. - Ignoto ma grande artista. Il Gattamelata - su ordinazione della "Serenissima" per i servizi del Gattamelata - opera compiuta in 5 anni e fusa tra molte difficoltà. - La statua è fusa in tre soli blocchi, saldati poi insieme. Ranuccio Farnese (Duca di Piacenza) - Il Mochi, autore, si rifece ai grandi esemplari di Roma e Padova; ma diede un’opera del tutto nuova, secondo il gusto barocco: tutto è movimento e svolazzo. "Cavaliere" di Marino Marini - nessun impeto "eroico",  semplicità scarna, quasi da esemplari… cretesi (3000 anni fa) - il cavaliere stende le mani e braccia in atto di disperazione, non di forza ed è assecondato da un impianto dell’animale tutto teso,come se fosse colpito a morte. 

 Cfr. anche avanti (dopo i cubisti) pag. 66

Note di arte 1 (Prof. Don Aurelio Olivati ) pag. 11-20

GIOTTO · Di lui scrisse tardivamente Cenino Cennini. "rimutò l’arte del dipingere dal greco in latino". – Parole che sembrano indovinello. Invece: mentre, prima, dominava il gusto e la tecnica "bizantina (greca)" con figure patte, lunghe, senza volume, rigide, stilizzate, inespressive, simboli più che persone, ora, l’arte assume il carattere "latino", cioè dello stile espressivo e concreto, proprio degli artisti occidentali, fina dal tempo degli Etruschi e di Roma. · L’arte "latina" riprende con CIMABUE e col suo discepolo GIOTTO. · Tre i grandi momenti della pittura di Giotto: Chiesa Superiore di Assisi – storie di S. Francesco – Giotto aveva 30 anni. Cappella degliScrovegni – PD. Storie della vita della Vergine e di Cristo. L’arte di Giotto vi appare del tutto matura. Cappella Bardi e Peruzzi S. Croce FI. Gli affreschi non ebbero fortuna,perché ricoperti di calce per due secoli; restaurati poi a tempera e anche recentemente.

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Esempi · Assisi: Miracolo della fonte. cielo azzurro cupo, tutto unito e senza trasparenza, fa risaltare la sagoma nuda delle rocce a spigoli vivi. - I due costoni sembrano fa blocco con i personaggi. - Colori, delicati e spenti. A Giotto importava dare il massimo rilievo e la massima espressione alle figure. · Padova: Sogno di Gioacchino Manto rosa sfumato fino al bianco. - Dietro una capanna e un picco di roccia ne risulta un effetto d’imponenza e solidità. * La deposizione Basterebbe da sola a dir "grande" Giotto. Scena, tagliata a diagonale dalla roccia, che porta a incentrar l’occhio nel Cristo. Il dramma è nei volti, ma anche nelle due sagome a schiena, il cui atteggiamento dimesso e accasciato dà l’impressione chiara di un’angoscia tragica. · Firenze Lo stile di Giotto si è fatto più pacato. Altre opere: Firenze, S. Maria Novella - Crocifisso, Uffizi- Madonna d’Ognissanti, Chiesa S. Giorgio – Madonna in trono, Roma S. Pietro – Bonifacio 8° indice Giubileo, Washington, Nat. Gallery – Madonna

NOTE DI ARTE 1 (Prof. Don Aurelio Olivati) pag. 21-30

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MARK CHAGALL - Morto a 98 anni - Vedi anche p. 61 - Russo (N. 1887) figlio di povera gente ebrea. Può a stento frequentare la scuola e poi entrere nell’accademia delle B. Arti a Pietroburgo. Ma sogna Parigi, dove potrà andare, pagato da un deputato. Si afferma. Torna in Russia. Serve la rivoluzione del 1917: commissario per le Belle Arti, anche se scontenta tutti per le sue opere… strambe: mucche che volano per aria, gente che vive a testa in giù. Ritorna a Parigi, dove si abbandona al suo estro, fatto di "ricordi". Opere: - Autoritratto con sette dita (mano sinistra) (Amsterdam). Le fonti d’ispirazione: Parigi (a spalle) e il paese natale fra le … "nuvole" (=ricordo). - Coppia di sposi con la torre Eiffel e Notre Dame (Parigi) c’è tutta la felicità degli sposini nei colori tenui e nelle figure che volano per l’aria. Fronde fiorite attraversano il cielo e una fanciulla porge a volo un mazzo di fiori ai due sposi abbracciati.

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Il fascino del quadro è dato dal sapiente accostamento dei colori: anzi, per questo, Chagall è considerato uno dei più abili "coloristi" di ogni tempo. - Il violoncellista (Londra) Sembra una figura da circo (=mondo che ha attratto molto Chagall), perché lo strumento si è quasi personificato nello strumento. Alle spalle è un paesaggio nevoso in toni blu e verdi. Le due facce del violoncellista indicano la multiforme personalità di questi artisti di periferia. Le case sono forse ricordo del suo paese. - La donna col viso blu (1960). Anche dipinto tardi, ha tutte le fantastiche figure dei dipinti giovanili, insieme a intonatissimi colori suggestivi. C’è il clown (in alto, a volo) vestito in rosso , uccelli, mucche e uno scorcio paesistico (quello natale). In questa tela c’era dipinto un rabbino che egli trasformò in faccia blu di donna (= titolo del quadro).  

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NOTE DI ARTE 1 (Prof. don Aurelio Olivati) pag. 31-40

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Come si guarda una STATUA - Constatazioni 1) La scultura attrae di meno della pittura, perché non usa i colori né può avere altrettante varietà di soggetti. Qualche volta qualche artista,come Marino Marino nei "Giocolieri" usa insieme scultura e pittura. 2) non già perché sia più difficile da interpretarsi, ma perché ha un modo diverso di esprimersi. 3) Che cosa da tener presente?
A differenza della pittura, ha tre dimensioni (=si può vedere da tutte le parti: "tutto tondo") qualche volta è solo bassorilievo
Si può allora considerare il volume di essa, perché (a differenza della pittura) presenta un insieme di superfici curve, spezzate, piane, e la luce vi si posa in modo diverso, cioè uniforme e diffusa o vibrante e mossa
Non interesserà (come detto) il soggetto, quanto, piuttosto, lo stile dell’artista, cioè il "modo" con cui ha saputo trasfondere il suo animo nella materia.
Caratteri di una statua: proporzioni / staticità o movimento / plasticismo / espressione del viso / armonia…
Esempi: quanto a "proporzioni", prendiamo un bassorilievo dell’Ara pacis (= figure

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perfette, curate, espressive); e un sarcofago paleocristiano (IV secolo) figure … proporzionate. Notare: l’artista non era un’ignorante, ma ha "deformato" per evidenziare di più l’espressione dei volti. 

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IMPRESSIONISTI  1) Le prime due mostre "rivoluzionarie": 1878 e 1876 a Parigi. Alcune espositori: Pissarro / Monet / Sisley / Renoir / Cezanne / Berta Morisat / Guillaunim… "Le figaro" ritrattò da "alienati". 2) Ragione dello scandalo. Fino alla prima metà dell’800, la pittura aveva sempre presentato, salvo qualche eccezione, soggetti "importanti" / personaggi storici / scene religiose o mitologiche. La tecnica era ancora quella dei grandi pittori rinascimentali, con particolari ben rifiniti e chiaroscuri sapienti a scopo di rilievo. Gli "impressionisti" invece (cosiddetti per disprezzo, come "incompetenti"): scelsero soggetti più semplici (paesaggi / scene e persone, tolti dalla vita di tutti i giorni; studiarono all’aperto (=fuori dallo studio) gli effetti che il variare della luce produce sulle cose, scoprendo che in natura le ombre consono nerastre,ma colorate; per far meglio risaltare i colori, non li mescolarono sulla tavolozza, ma li stesero direttamente sulla tela, puri, sovrapponendo le varie pennellate; 

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- per ottenere poi quella luminosità che è la principale caratteristica della loro pittura, accostavano i colori che meglio potevano valorizzarsi a vicenda: il blu e l’arancio, il viola e il giallo, il rosso e il verde; - infine, poiché il loro intento era quello di dipingere le cose negli aspetti mutevoli che dona loro la luce, usarono una pennellata rapida e vibrante e mantennero i contorni imprecisi, non definiti. 3) Furono artisti sfortunati e poveri, perché incompresi, anche se erano pionieri di una grande "maniera". 

Georges ROUAULT (Cfr. quaderno 2° note di arte pag. 20) Nacque a Parigi, in una cantina, mentre infuriava la guerra civile, nel 1871. A Parigi morì nel 1958, a 87 anni. Iniziò come restauratore di vetrate antiche e gli rimase nello spirito e nel gusto la suggestione dei colori. Scoperto come ragazzo promettente da un prof. dell’Accademia delle Belle Arti, vi fu iscritto e protetto. Vi si attuava un canone didattico: "cercare liberamente uno stile personale". Quel prof. diceva: "Io sono ora come un ponte su cui voi passerete, ma in seguito vi vedo soli, sempre più soli". Rouault fu un solitario. Non se ne conobbe quasi il recapito privato e lo studio. Unico indirizzo: Museo Moreau, di cui divenne direttore.
Soggetti: i più umili, nei quali pensava fosse riflessa la maggiore sofferenza umana; Cristo in prima fila, che egli ritrasse infinite volte; i clown, i saltimbanchi…
Le prime opere furono fosche e tenebrose, con quei contorni funerei neri, tanto che fu chiamato "ironicamente" fumista.

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NOTE DI ARTE 1 (Prof. don Aurelio Olivati) pag. 41-50

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CUBISMO

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Nascita – A un’esposizione del 1908 Matisse gridò di fronte a una tela di Braque: "Oh, ecco i cubi!". Di qui, "cubismo". Def. È un nuovo modo di rappresentare la realtà, non come è, ma analizzata "dentro". Di qui, semplificazione massima delle "forme" fino a termini essenziali, geometrici. Alias, le "sezionarono",le scomposero nei loro elementi essenziali, cioè nei loro vari "piani". Es.: il volto di un uomo! Il pittore individuerà i vari piani: quello orizzontale della fronte, quelli obliqui del muso e delle gote, quello irregolare del mento. Terrà conto del piano di fondo su cui si staglia il volto. E i "piani" nascosti? (quelli che non si vedono?, come la nuca, zona dietro le orecchie) i cubisti vogliono ritrarre anche quelli. Inoltre: un viso, nella realtà non è mai immobile, bensì in continuo movimento, durante il quale tutti i piani si spostano in su in giù, a destra o a sinistra. Di qui: necessità di rappresentare contemporaneamente sulla tela tutti i piani che compongono l’oggetto da ritrarre: quelli visibili e quelli nascosti, quelli in quiete e quelli in movimento.

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· Ecco, il perché di quelle raffigurazioni sulle quali – si dice – "non si capisce nulla". La figura c’è, ma è tutta scomposta, irriconoscibile. I cubisti, abolita la prospettiva hanno creato uno spazio nuovo, in cui tutti i piani si intersecano l’uno nell’altro, giungendo a formare una specie di incastro di solidi geometrici. Questo incastro diventa talvolta tanto fitto e intricato da nascondere completamente l’oggetto ritratto. Cubismo "analitico" È cosiddetto il cubismo della prima fase". Ma il cubismo subirà elaborazioni, ripensamenti, superamenti. Fortune del "cubismo" Nel 1912, assenti Ricasso e Braque, a Parigi, "Salone d’autunno". Un consigliere municipale si sdegnò violentemente contro il cubismo e giunse a dire che là "si attentava – in ambiente governativo – alla stessa dignità del governo". E la questione – pur con un nulla di fatto – finì nella Camera dei deputati! Cubismo "sintetico" Braque e Picasso abbandonarono ogni semplificazione e portarono le 

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figure a termini più ampi e semplificati, spesso risaltati da colori intensi. Cioè: non analizzarono più gli oggetti, componendoli minutamente, ma li "costruirono" sulla tela servendosi di forme geometriche più spaziose, più definite, pervenendo a una fase detta del "cubismo sintetico". E arricchirono lo stile, introducendo sulla superficie del dipinto materiali inconsueti e di solito estranei alla pittura: colori impastati di olio e sabbia (per rendere rugosa la superficie), ritagli di giornali incollati sulla tela, fogli di carta dipinti a modo di pannelli di legno o di marmo. A che scopo? Allo scopo di rendere più reali i contenuti del quadro e anche a scopo decorativo.

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Cezanne e Picasso messi a confronto per uno stesso soggetto: molto di Ambrosie Voltaire, nel primo: costruzione secondo le "vecchie" regole, nel secondo: la figura è scomposta: non si stacca più dal fondo, in rilievo, secondo la prospettiva tradizionale; i piani si intersecano e si sovrappongono, determinando infinite sfaccettature, che non permettono più di individuare il soggetto, ma solo di intuirlo.

Braque – Case a l’Estaque (1908) : quadro che fece esclamare a Matisse : « Oh, ecco i cubi ! » Braque – Le gueridon (1911). Senza titolo si capirebbe ben poco. Si intuisce solo uno strumento musicale. Colori di tono spento.
Leger – Fumatori . Due uomini che fumano e levano cortine di fumo su un paesaggio di sfondo a colori vivaci e quasi cartellonistici.
Delannay – La torre Eiffel (1910). È riconoscibile, ma trasformata in una vivissima, fantastica "esplosione" di colore.

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Picasso – Violino (1913) Esempio di "cubismo sintetico". Scomposizione di piani, ma questi sono divenuti più nitidi e distesi. La vivacità sta anche nell’effetto tra zone "ruvide" (olio e sabbia) e quelle colorate e levigate. È una composizione armoniosa, chiara ed equilibrata: un bel quadro (= non tutti i quadri dei "cubisti" sono belli: specie se vi si nota il prevalere della preoccupazione tecnica).
Braque – Natura morta (1929). Altro esempio di cubismo "sintetico". Rocca, tavolo, chitarra, giornale, frutta, coltello: tutto il dipinto è una felice armonia di colori limpidi e delicati.

Marino MARINI (Vedi anche pag. 9) Uomo taciturno e tranquillo, che parla poco e osserva molto. Ha studiato all’Accademia delle Belle Arti di Firenze. Ha insegnato a Monza e ora al "Brera" di Milano. I suoi temi: le "pomone" (robuste figure femminili), i "giocolieri", e soprattutto i "cavalieri" in una serie lunghissima. Cavalieri: che cosa significano" Sono simbolo della condizione dell’uomo del nostro tempo. Nel 1937 eseguì il primo cavaliere, "un gentiluomo a cavallo, che cavalca sereno e classico" (Marini), un uomo fiducioso in sé e nel mondo, insomma. Poi, venne la tremenda esperienza della guerra e i suoi cavalieri divennero sempre più fragili, deboli, indifesi. Gli ultimi sono addirittura disperati e non hanno neppure la forza di reggersi in sella. Ha interpretato il dramma dell’uomo moderno

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Marini – Cavallo e Cavaliere (1947) Collezione Agnelli. Eseguito dopo la prima guerra mondiale. Gli uomini hanno ricominciato a "rivivere" e "sperare". Il cavaliere si tiene ritto in sella e alza il capo fiducioso. Le due figure fanno blocco unico. Volumi solidi e compatti. Struttura semplificata e piena di energia.
Marini – Cavallo e cavaliere (1947) Lincoln. Come nel precedente, ma i lineamenti del cavallo e cavaliere sono come "disintegrati", privi di personalità. - Opera lasciata scabra e opaca.
Marini – Giocoliere (1953). New Jork. Qui c’è scultura e anche pittura. Cioè, il bronzo è chiazzato di colori, per cui risaltano più netti i piani, più vivaci e più dinamici.

NOTE DI ARTE 1 (Prof. don Aurelio Olivati) continuazione

Su richiesta,  unione.manfredini@libero.it
Vi invierà il seguito di NOTE D'ARTE 1,
ed i files completi di :
- NOTE DI ARTE 2,
- NOTIZIE E DISCUSSIONE SU PALAZZO PESARO DI ESTE
- LETTERATURA ITALIANA
- PENSIERI E POESIE.

Tutto è Grazia

Posso invocare anche qui la conclusione del Parroco di Campagna:

"Tutto è grazia?"

Credo di sì.

Don Aurelio Olivati 1909/2002

Nato a Belfiore d'Adige (VR), il 14 luglio 1909, morto a Este (PD) il 17 marzo 2002, a 92 anni di età e 76 di professione religiosa salesiana.